Tanger est l’un de tes sujets principaux. Peux-tu nous en faire un portrait ?

C’est une ville séculaire, ville frontière qui relie deux mondes, deux mers, un lieu de rencontre et de passages.

C’est ta série « The Red Square » que nous exposons ici. Un projet qui a été mené lors d’une résidence dans le cadre du projet Think Tanger. Peux-tu nous raconter comment est né ce projet et pourquoi il prend la forme d’une installation ?

La ville de Tanger a récemment connu une grande transformation au niveau de sa baie et de son vieux port. Les anciens bars et discothèques ont été démolis et le port s’est transformé en marina. Ce n’est pas tout, d’autres changements se sont produits au niveau de la périphérie : chaque jour un nouveau bâtiment sortait de terre et contribuait à la formation d’un nouveau paysage (méconnu) de la ville du détroit. Fin 2013, j’ai commencé à documenter les premiers travaux au niveau de la baie et j’ai continué ce travail en allant vers les bords de la ville où la frontière entre l’espace rural et l’espace urbain n’était pas encore marquée. The Red Square évoque ce changement et reflète le paysage en cours de mutation. Quand j’ai été invité en résidence par Think Tanger, je voulais à la fois contextualiser ces images (abstraites) de façades rouges et sortir du cadre conventionnel de la galerie en allant à la rencontre d’un public « non exclusif » pour reprendre l’expression de Thomas Hirschhorn (« a non-exclusive audience »).

The Red Square invite à prendre une certaine distance par rapport à ce qui constitue ces paysages urbains et à la façon dont on doit les regarder habituellement, là où les séries Café et Tangier Diaries révélaient à la fois pudeur et intimité avec une esthétique de l’extimité pour reprendre les termes de Yvon Langue dans son texte Extimacy.

Ces grands pans de mur ne sont pas sans rappeler les trois pièces de Faouzi Laatiris : Façades. Est-ce que ce travail t’a nourri ?

Je ne connaissais pas le travail de Faouzi Laatiris avant d’avoir réalisé mon projet. Par contre deux œuvres ont contribué de manière cruciale à mes réflexions : Related I (red), 1943 de Josef Albers (rappelant les façades des immeubles rouges) et Untitled 1965-1971 (Mirorred Cubes) de Robert Morris.

Les questions autour et sur la/les Modernités dans l’art comme le démontre Maud Houssais dans le texte « Le Fond du mur est rouge » et comme l’évoque ton titre sont-elles au cœur de cette série et par quel aspect de la modernité as-tu été intéressé ?


La modernité dans l’art se caractérise par le rejet des styles du passé ; en insistant sur l’innovation et l’expérimentation dans les formes, les matériaux et les techniques afin de créer des œuvres reflétant mieux la société moderne. Je voyais The Red Square comme une expérimentation suggérant une autre lecture du paysage urbain de la ville et qui défie la façon « classique » de montrer les photographies.

Actuellement, tu réalises un travail en noir et blanc. Pourtant c’est ton travail autour de la couleur qui est l’une des clefs de lecture de ton travail. Pourquoi cette envie ?

Je pense que mon choix entre la couleur et le noir et blanc est jusqu’à présent un choix esthétique. Quand je travaille en série, je veux garder une cohérence visuelle. Pour mon travail en cours j’ai choisis de photographier principalement en noir et blanc car je m’intéresse principalement à la forme des structures que je photographie. Je pense que la couleur rajoute une couche d’émotion à l’image, tandis que son absence permet une lecture directe de l’objet/sujet photographié.

Quels sont tes prochains projets ?

Je prépare une exposition en collaboration avec l’institut français de Tanger qui aura lieu en avril à la galerie Delacroix.

Après l’exposition à la galerie Delacroix, je participerai à une résidence d’artiste avec le collectif Mint Works qui aura lieu à l’espace Guest Projects à Londres en fin d’année.

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C’est Jan-Philipp Fruehsorge, commissaire de cette exposition qui a eu l’idée de réunir ces deux icônes internationales. « De ces frottements insolites, de ces incohérences, naît un sens nouveau qui n’est pas bridé par la logique ou la raison, une « surréalité » ouverte sur le panorama ténébreux de l’inconscient. C’est dans cette perspective que Roger Ballen et Hans Lemmen se sont livrés à un brillant exercice de couplage artistique » commente t-il.
La première salle de l’exposition qui accueille les visiteurs, est un lieu exiguë et sombre, les murs et le sol ont été peints à quatre mains, une véritable œuvre collective, fruit d’une longue querelle artistique, si l’on juge les deux silhouettes de plâtre aux yeux d’animaux représentant les artistes gisant au sol parmi les débris de bois de cerfs.  » C’est un clin d’œil à cette collaboration qui a été une bataille entre ces deux grands artistes » ironise le commissaire d’exposition.

Belle métaphore également du titre de l’exposition dont le terme Unleashed choisi par les artistes eux-mêmes pour traduire cette expérience artistique commune insolite et chaotique, emprunté au jargon de la chasse désigne l’action de lâcher les chiens à la poursuite de leur proies.
« Je n’ai pas d’expérience de la photographie et à ce titre, je peux dire que cette collaboration est la chose la plus difficile à laquelle j’ai jamais été confronté. Jusqu’au dernier moment, je ne savais pas s’il serait possible de combiner photographie et dessin… » témoigne Hans Lemmen lors d’un verbatim avec Jan-Philipp Fruehsorge enregistré en 2016.

Cette installation est en effet la seule œuvre que Roger Ballen et Hans Lemmen ont eu à créer ensemble en étant physiquement réunis au Musée de la Chasse et de la Nature.

Toutes les autres œuvres « combinées » sont le fruit d’une correspondance entre ces deux artistes qui ont travaillés isolément à des milliers de kilomètres dans la tradition du cadavre exquis chère aux surréalistes.
« S’emparer du travail de l’autre, pouvoir le transformer et l’intégrer chacun à sa manière a fait toute la différence. Je pense que l’une des raisons pour lesquelles le résultat est si abouti d’un point de vue plastique vient du fait que nous avons pu faire ce travail sans être physiquement présents dans un même lieu. » précise Roger Ballen dans le catalogue d’exposition.

Resté aux Pays Bas, Hans Lemmen s’est approprié le répertoire photographique de Roger Ballen qu’il a découpé pour en sélectionné des fragments sur lesquels il a apposé ses dessins tracés au charbon. Roger Ballen depuis l’Afrique du Sud, a emprunté des dessins de Hans Lemmen qu’il a intègré à de nouvelles installations-collages qui sont photographiées, et sur lesquelles Roger Ballen a superposé ses propres dessins, qui peuvent rappeler les graffitis ou les traces incrustées dans les murs photographiés par Brassaï.

« Tous deux se sont pliés à la contrainte d’avoir à insérer dans leur propre création des fragments empruntés à celle de leur partenaire. Stimulante astreinte qui, par-delà le jeu plastique et l’émergence de résonance formelles, révèle une profonde affinité entre les deux univers artistiques. » commente Claude d’Anthenaise, directeur du Musée de la Chasse et de la Nature et co-commissaire cette exposition.

En effet, si Roger Ballen est davantage intéressé par des scènes intérieures, souvent réalisées en studio, confinées dans des paysages mentaux clos, alors qu’Hans Lemmen s’attache plutôt à la Nature et aux paysages extérieurs aux perspectives infinies, il résulte de cette confrontation une étrangeté commune mise en scène dans des univers anxiogènes remplis d’imaginaires bestiaires en dialogue perpétuel.

« Quand j’ai rencontré Roger, j’ai compris que nous avions des centres d’intérêt similaires. Il y a dans son travail, des atmosphères et des animaux proches de ceux que l’on peut trouver dans le mien. J’ai tout de suite repéré une affinité de pensée entre nous. » affirme Hans Lemmen dans une conversation avec Jan-Philipp Fruehsorge.

Face à l’absurdité de la condition humaine, les artistes proposent une installation comme une cabane, un refuge pour s’isoler de la violence du monde. Cette idée d’hommes-animaux est illustrée dans les propos de Roger Ballen : « Comme nos animaux-hommes ou nos personnes animales… il s’agira de créer un nouvel hybride scénographique et artistique qui aura à voir à la fois avec l’humanité et l’animalité que nous portons en nous. »
Malgré les difficultés et les contraintes imposées par ce couplage artistique, il en résulte un travail sublime qui sera présenté en 2018 au Bonnefantenmuseum de Maastricht, coproducteur de cette exposition inédite.

« Unleashed » de Rogen Ballene et hans Lemmen, une exposition à découvrir du 7 mars au 4 juin 2017 au Musée de la Chasse et de la Nature à Paris.

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Après une interruption de deux ans suite aux événements que le Mali a connus entre 2012 et 2013, « les Rencontres de Bamako, Biennale africaine de la photographie » sont de retour. La prochaine édition, la 10e, est prévue en novembre 2015.

Organisée tous les deux ans depuis 1994, les Rencontres de Bamako, Biennale africaine de la photographie, sont la première et la principale manifestation consacrée à la photographie africaine.

L’édition 2015

Cette 10e édition est une étape importante de l’histoire de la Biennale. La direction artistique de cette édition est assurée par Bisi Silva, commissaire indépendante, fondatrice du CCA Lagos au Nigeria.
Le délégué général est Samuel Sidibe Directeur du Musée National du Mali, qui dirige l’événement depuis 2009.
Le thème retenu pour cette édition est « le temps conté / Telling time ». Cette thématique vise à utiliser la photographie comme un médium d’exploration de la notion de temporalité à travers la narration du passé, du présent et du futur. Elle s’adaptera parfaitement aux bouleversements récents qu’ont connus le Mali et les régions avoisinantes.

Outre les expositions dans les salles, le projet artistique en cours d’élaboration prendra en compte plus largement le public local. L’espace public sera au centre des préoccupations avec des expositions plein air, des projections et des animations publiques.

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