Avant l’exposition, dans un couloir, une carte géante présente les quarante pays dont sont originaires les photographes. L’accroche : « Uniting Africa and the World through Photography » correspond donc à la version photographique d’une utopie panafricaniste.

Au vernissage, une foule d’invités zigzaguent entre les trop nombreux boxes alignés au cordeau. Il est vrai que la manifestation devait aussi se dérouler en extérieur et que, pour des raisons de sécurité, il a fallu se concentrer dans ce luxueux lieu clos.

Les cartels relégués en bas des panneaux d’accrochage sont inaccessibles ? Il est parfois bon d’être informé du sujet traité : les portraits du Mozambicain Hamilton Neves de femmes âgées sont en fait ceux de « Marraines de guerre » qui avaient soutenu les soldats de l’armée coloniale portugaise entre 1961 et 1974. Leur soutien au gouvernement de l’époque explique leur marginalisation après l’indépendance.

**Revers de l’histoire.

Globalement, les énergies documentaires des photographes alimentent trois grands fleuves : le portrait, la religion, la ville.

Les portraits en studio sont une denrée rare. Mais quelques exceptions : Djibril Drame (Sénégal) dépeint un homme au boubou immaculé, à la pose altière et élégante: c’est une photo touchée par la grâce. Les nombreux portraits en extérieur sont très posés. Naod Lemma (Ethiopie) se montre inventif. Aderemi Adegbite (Nigeria) donne à voir un travail thérapeutique assumé, superpositions heureuses de couleurs et de formes. Et ces portraits idéalisés de migrants intra-Ethiopie sont de Yafet Daniel. Enfin, un magnifique Genaye Eshetu (Ethiopie) : une femme de dos porte le fichu appelée « Gojjame Azene » de la région du Gojam.

La ville représente un enjeu fort, surtout pour des photographes qui se définissent souvent comme des photographes de rue. Quand ils y vivent, la ville mutante d’Addis Abeba les fascine. Dans « The light railway », Michael Fassil photographie des clichés maculés qui traînent par terre après la démolition d’un studio photo; et un visage de femme tout griffonné ressort de ce beau chaos graphique. « Pourquoi en est-on arrivé là ? se demande le photographe. Toutes ces identités à recueillir… »

A Tombouctou, Francis Koroko (Ghana) réussit des tours de force visuels, presque surréalistes. A Madagascar, Emmanuelle Andrianjafy surexpose des maisons éparpillées, abandonnées. Leurs dessins deviennent approximatifs, les couleurs sont comme exténuées, chlorotiques.
La simplicité frappante d’un environnement ordinaire appartient à Malala
Andrialavidrazana (Madagascar). Petits univers qui se détachent du réel, et
entièrement assujettis à l’émotion. Au Nord, les approches sont quelques fois bien différentes. Le graphisme noir et blanc du Polonais Maran Ryczck en est le meilleur exemple : la ligne comme fondement d’une esthétique intransigeante.

Vincent Godeau

Historien de la photographie africaine

Addis Abeba, 3 janvier 2016

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A l’occasion de ma participation à l’édition 2015 des Nuits photographiques de Pierrevert, mon travail « Ferveurs extrêmes, les pèlerins de Sheikh Hussein » (Ethiopie) sera projeté lors du festival et exposé à la chapelle de Régusse du 31/07 au 02/08.

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Mon travail de photographe-plasticienne est lié à l’intime et à la singularité de « l’être au monde ». C’est une recherche qui associe création photographique, vidéo et installation lumière qui chacune à sa manière, travaillent l’image et la matière lumineuse. Il s’inscrit dans mon cheminement artistique de projection d’images ensuite re-photographiées ou filmées qui a débuté en 1992. Depuis quelques années, mon œuvre interroge des civilisations et des cultures lointaines : après le Japon, l’Éthiopie.

Cette mémoire éthiopienne, je l’avais déjà revisitée en 2007 en introduisant dans la bande-son de l’installation lumière Jardin secret (porteuse de 9 langues dont l’arabe) la traduction en amharique d’un poème de Sylvie Le Scouarnec dit par un ami éthiopien de mon père. En 2009, un travail en noir et blanc, a été réalisé à partir des peintures éthiopiennes présentes dans la maison familiale. Il fait suite à la série Estampes – 2008, inspirée du Japon, et il a reçu le nom d’Incarnation Ethiopienne. Cette série d’images photographiques en grand format (140 x 70 cm) m’a conduit jusqu’aux Musées de Charleville-Mézières et d’Angoulême et m’a permis d’imaginer et de réaliser cette résidence d’artiste itinérante en Ethiopie qui a donné naissance à des œuvres variées.

Les différentes étapes ont été : la Maison/Musée Rimbaud à Harar, la campagne au nord d’Addis-Abeba (dans une ferme et un haras), Gondar au moment des fêtes de l’Epiphanie, puis les monastères du Lac Tana. Ce voyage s’est prolongé au retour par la visite d’œuvres porteuses du souvenir de l’Ethiopie, en particulier celles de Rimbaud et de Hugo Pratt pour la réalisation de vidéos et a permis de réaliser un livre ETHIOPIE, les règles d’un nouveau je , édition Sépia 2013 et une exposition intitulée Incarnations Ethiopiennes qui a été présentée en 2013 et 2014 au Musée Rimbaud de Charleville-Mézières, à la Cité Internationale de l’Image et de la Bande Dessinée d’Angoulême avec le soutien du Musée d’Angoulême et de la Région Poitou-Charentes et au Centre d’Art Plastique de Royan.

J’ai en effet modifié plusieurs choses dans ma manière de travailler : l’utilisation d’images d’archives en lien avec Rimbaud, l’utilisation de photographies réalisées adolescente en lien avec la ruralité et l’utilisation immédiate de photographies réalisées à l’occasion de fêtes qui grâce à la technique du numérique ont pu être dès la nuit tombée mis en espace par projection. Ma relation à la couleur a également été modifié.

« Toute image est pour moi un matériau de base, un point de départ. Dans le huis clos où elles s’abîment, les projections qu’orchestre l’artiste sont pour elle l’occasion d’interroger la nature même de l’acte photographique. Dans ses relations au réel, au vraisemblable et à la fiction. »

Philippe Piguet

C’est un travail instinctif, lié à l’espace construit. Mon postulat de départ étant que toute surface fait écran. Ce qui m’intéresse avant tout c’est l’association de plusieurs éléments d’apparence banale dont l’assemblage va précisément faire surgir du poétique, voire de l’incongru.

« C’est un travail qui a suivi les chemins de la filiation et où, dans la pudeur du regard et la générosité de l’écoute, se dit, avec discrétion, le respect de l’autre. »

Annette Carayon

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Devenue accidentellement aveugle à 3 ans, elle a été abandonnée par sa famille puis recueillie dans un orphelinat d’Addis-Abeba. Ces images poignantes en noir et blanc de son quotidien sont le fruit d’un échange intime et profond entre la fillette éthiopienne et la photographe finlandaise. En tissant des liens de respect et d’amitié durables, Aster a appris à Meeri Koutaniemi comment solliciter autrement ses cinq sens dans son travail : le spectateur se retrouve à même de ressentir l’eau qui coule sur la peau, la complexité des devoirs de braille, l’intimité lors des bavardages dans la chambre….loin de tout misérabilisme, ces images très humanistes au cadrage serré dans une approche très sculpturale (comme la photo des deux fillettes enlacées sous un voile) se situent à la frontière du photojournalisme.

Elle a trouvé un juste équilibre entre un sujet si délicat et sa volonté d’attirer l’attention sur des problématiques sociales et politiques. A travers chacune de ses séries, Meeri Koutaniemi cherche à éveiller les consciences sur des thèmes tels que la maladie liée à la pauvreté, les oppressions politiques ou les violences faites aux femmes. Elle développe actuellement un projet dénonçant les mutilations génitales féminines.

**PLUS D’INFOS

www.institut-finlandais.fr

Site de Meeri Koutaniemi

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