L’exposition L’Afrique n’est pas une île propose une déambulation à travers des images, celles qu’Afrique in Visu présente depuis dix ans sur sa plateforme. Veillant à rendre compte des différents regards et pratiques sur, autour et depuis le continent africain, Afrique in Visu devient ainsi « un territoire visuel » outrepassant la question même des frontières.

L’exposition invite à arpenter une infime partie de ce territoire connecté, avec des focus de travaux photographiques publiés sur Afrique in Visu, en dialogue avec une sélection d’œuvres issues de la collection Zinsou. Des wallpapers, all over recouvrant les murs de photographies, plongent le spectateur dans un flux, celui de la plateforme, celui de la pratique photographique actuelle en Afrique. Le visiteur déambule dans ce territoire visuel qui n’est ni figé, ni unique mais bien multiple.

**UN TERRITOIRE EN KALEIDOSCOPE

L’Afrique n’est pas une île esquisse ainsi un territoire en kaléidoscope, aussi nommé « Alkebu-Lan, Katiopa, Farafina, Afuraka, TaMery, Kama… », comme l’énumère Léonora Miano dans son intervention « De quoi l’Afrique est-elle le nom ? » L’auteur invite à s’éloigner de ce nom de baptême pour davantage rendre compte de la multiplicité, reconsidérer la diversité d’une Afrique qui, à défaut d’être renommée, pense sa (re)construction.

Articulée autour de trois volets, l’exposition ébauche une géographie à re-cartographier : des habitants, des histoires, des lieux soulevant les questions relatives au rapport corps/temps/espace au cours de l’Histoire. Les statuettes humaines de Namsa Leuba mêlent autant fiction et réalité ; les compositions sculpturales de Lebohang Kganye installent l’artiste dans un carambolage passé/ présent ; le local et le mondial se rencontrent à travers les lieux en friche désertés des photographies de François-Xavier Gbré.

Les différentes séries photographiques présentées dans l’exposition L’Afrique n’est pas une île incarnent les notions d’espace/temps, personnalisent une histoire, expérimentent une géographie pour penser en tant que sujet « Comment faire monde » ?

Jeanne Mercier, Baptiste de Ville d’Avray et Madeleine de Colnet.

**LES ARTISTES

Ishola Akpo, Héla Ammar, Sammy Baloji, Joan Bardeletti, Abdoulaye Barry, Carolle Benitah, Adrien Bitibaly, Nabil Boutros, Seydou Camara, Joana Choumali, Nestor Da, Cristina De Middel, Jean Depara, Fatoumata Diabaté, Omar Victor Diop, Fakhri El Ghezal, Ymane Fakhir, Samuel Fosso, François-Xavier Gbré, Yo-Yo Gonthier, Philippe Guionie, Wiame Haddad, Hélène Jayet, Mouna Karray, Seydou Keïta, Lebohang Kganye, David Lemor, Namsa Leuba, Nicola Lo Calzo, Edgar Marsy, Baudouin Mouanda, J.D. ‘Okhai Ojeikere, Nyaba Léon Ouedraogo, Fethi Sahraoui, Georges Senga, Malick Sidibé, Sanlé Sory

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Plusieurs décennies plus tard, avec leur série Exuegguá, minuit à la croisée des chemins, le duo Cristina de Middel et Bruno Morais nous entraînent aux racines de la spiritualité africaine, le long de quatre rivages stratégiques : celui du Bénin, de Cuba, du Brésil et de Haïti. Cristina de Middel n’est pas une inconnue pour nos lecteurs. C’est à travers sa série sur les afronautes que nous l’avions découverte. Depuis quelques années, elle réalise avec son compagnon le photographe brésilien Bruno Morais des productions surréalistes et iconiques mêlant documentation et mise en scène, où nos perceptions de la « réalité » sont volontairement bouleversées. Ces images sont à découvrir pour la première fois aux Rencontres d’Arles en France dès cette semaine puis au Mexique dès le mois d’août.

Pouvez-vous nous raconter comment vous travaillez en Tandem ? Qui fait quoi ?

Nous expérimentons en fonction du projet sur lequel nous travaillons. Nous commençons par discuter du concept d’une série et complétons ces idées avec des éléments aléatoires puis nous transcrivons cela sur un story-board. Dans la phase pratique, nous alternons les rôles entre la production et la prise d’images quand celles-ci sont plus mises en scène. Quand nous sommes dans des situations « documentaires », chacun prend les photos qui lui semblent intéressantes et à la fin, nous choisissons ensembles celles qui correspondent le mieux au projet. Le fait que nous n’ayons pas de rôles prédéfinis nous aide à mieux adapter nos différences et nos connaissances.

En 2016, vous partez en résidence au Bénin à Ouidah, avez-vous déjà une idée assez précise de votre sujet ? Où le découvrez vous sur place ?

Le concept de base était déjà bien défini en arrivant à Ouidah, mais nous ne sommes jamais complètement fermés aux images qui nous apparaissent à partir de l’expérience locale. C’est comme un puzzle. Certaines pièces, nous les apportons dans notre sac et d’autres nous les recevons au cours du processus lui-même.

Parler avec les gens, apprendre à connaître les gens du pays, être prêt à changer la façon de faire et évaluer constamment les images sont des stratégies que nous utilisons lorsque nous travaillons.

Pourquoi vous intéressez-vous ici au sujet des religions ?

Nous n’avons pas d’intérêt dans la religion elle-même, mais dans la capacité de l’être humain à créer des récits pour expliquer le monde qui l’entoure. C’est aussi parce que dans le monde entier, il y a un mépris pour les cosmogonies africaines, et dans le cas du Brésil, également pour les récits indigènes, mais quand on plonge dans cet univers, on découvre un système de connaissances complexes, intégré et pertinent aux défis contemporains auxquels nous sommes confrontés en tant que civilisations.

En outre, par rapport aux systèmes monothéistes, les religions enracinées en Afrique et plus spécifiquement Les Yoruba présentent une dynamique beaucoup plus riche. Il n’y a pas de culpabilité, il n’y a pas de paradis, il n’y a pas de rédemption. Au lieu de cela, il y a une pleine responsabilité pour vos actions et une relation étroite avec les forces de la nature et la planète dans laquelle nous vivons.

Concernant les costumes les réalisez vous ? Ou est ce de la récupération ?

Nous collaborons normalement avec des artisans et des couturiers où que nous allions. C’est toujours un bon moyen de connaître les gens et d’avoir une perspective plus large du sujet. Dans ce cas il n’y a pas beaucoup d’adaptation. Dans la plupart des clichés, ce ne sont que les vêtements que les gens portaient ou des habits traditionnels portés pour les cérémonies.


Nous aimerions que vous nous racontiez une image, cela peut aller de leurs réalisations ou juste au niveau de la symbolique. On souhaiterait en savoir plus sur la photographie surréaliste du jeune garçon dont la fumée sort de ses oreilles via deux pipes ?

Il y a deux aspects dans ces images. Tout d’abord, dans ces religions, le tabac et la boisson sont des instruments que les esprits utilisent pour transmettre leurs énergies et pratiquer leurs œuvres.

Dans le cas de la photo du garçon aux deux pipes, cette image fait référence à une légende où Esú veut tester deux amis. Il pose sa pipe sur sa nuque et marche devant eux alors qu’ils se tiennent sur les côtés opposés de la route. Aucun des deux amis n’est sûr de la direction où cet étrange étranger est allé et ils commencent un combat qui détruit leur amitié. A l’image du vieil homme en Haïti, nous avons essayé de faire référence à l’aspect de Papa Legba et la fumée jaune n’est qu’une stratégie pour provoquer l’étrangeté et la curiosité.

Notre intention n’était pas de faire un travail anthropologique ou académique, c’est-à-dire d’être fidèle à un récit ancré dans la vérité. Le thème est si glissant et mystérieux que nous souhaitons éveiller la curiosité des gens pour connaître ces cultures et les amener à respecter ces cosmogonies comme ils respectent n’importe quelle autre religion occidentale.

Comment est pensé le projet de l’exposition à Arles ?

L’exposition est conçue comme une sorte de carrefour et de labyrinthe. Nous avions vraiment besoin de séparer les quatre points de recherche, mais aussi de les garder toujours liés les uns aux autres. Nous avons construit une structure en bois et c’est une installation très spéciale, avec des coins et des transparences et aussi une image en mouvement.

Et quel sera la finalité du projet ? Une exposition ? Où ? Un livre ?
Ce sera les deux. Le projet est présélectionné aux Rencontres d’ Arles mais il sera présenté également au Mexique à Mexico au Centro de la Imagen à partir du 6 août sous le commissariat de Claudi Carreras dans une exposition collective intitulée La troisième racine et qui traite du patrimoine africain en Amérique latine. 
Mexico. Nous présenterons également le livre à Arles mais c’est une petite édition … presque un secret.

http://centrodelaimagen.cultura.gob.mx/

https://www.rencontres-arles.com/fr/expositions/view/231/cristina-de-middel-bruno-morais

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S’inspirant de l’univers du dieu Ogun, le photographe invente une autre divinité à identités multiples dont les origines se trouvent dans le Nigéria actuel avec une forte présence au Bénin et des ramifications dans la Caraïbe, la diaspora vaudou présente au Brésil, à Cuba et en Haïti. Gu (Ogoun), dieu du fer, est avant tout célébré par les forgerons mais aussi les chasseurs qui le vénèrent. Aucun sacrifice n’est possible sans un couteau en fer.

Le couteau des chasseurs de Savè comme celui d’Abraham qui égorge son fils est au service des sacrifices. Le sang qui coule est sacré. Ici, dans la série Daïbi, le photographe fait du couteau un attribut, au même titre que les nombreux accessoires que porte le dieu (chapeau yoruba bleu, chapeau marocain rouge, chapeau berbère, des clochettes). A l’image des chasseurs, il s’enduit de poudre à canon pour acquérir de la force ; comme tout dieu et toute déesse, il est asexué. 
Ainsi la série Daïbi soulève davantage de questions que de réponses sur les dichotomies qu’on a tendance à séparer plutôt que de les voir ensemble comme complémentaire : peut-on être mi homme mi dieu au lieu d’être soit un homme soit un dieu ? Peut –on être à la fois un dieu chasseur et un chasseur de dieux ? Autant de questions subtiles qui renvoient aux obsessions de l’artiste (la question d’identités multiples), celle de la libération du corps des contraintes sociales (depuis les redresseurs de Calavi) ou celle des objets sacrés (exploré dans la série Les mariés de notre époque).

En se mettant à la fois derrière et devant l’objectif, procédé que le photographe avait déjà utilisé pour la série « Pas de flash s’il vous plait !», Ishola Akpo explore le monde imaginaire, seul monde sans frontière géographique, dans lequel on peut se permettre d’inventer des dieux, et qui nous en dit long sur notre monde actuel.

Texte Giscard Bouchotte, Independant curator

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À travers trois expériences menées à Porto-Novo au Bénin, N’Djaména au Tchad et Casablanca au Maroc, le livre restitue les processus de conception et de réalisation de projets qui ont associé habitants, municipalités, opérateurs culturels, designers, architectes et plasticiens.

Les textes des intervenants et partenaires des trois projets donnent les enjeux de ce programme transafricain explorant la question de l’espace public dans une variété de contextes culturels et urbains.

Liaisons urbaines est soutenu par le programme « Afrique et Caraïbes en créations » de l’Institut français, en partenariat avec la Cité de l’architecture et du patrimoine (Paris) et l’Ecole du Patrimoine Africain – EPA (Porto-Novo).
Cette publication a été réalisée avec le soutien des Instituts français du Bénin, du Tchad et de Casablanca, également partenaires des projets Liaisons urbaines dans ces trois pays.

Lancement du livre, le 9 mai 2016 durant la Biennale Dak’art

***Équipe de pilotage de Liaisons urbaines

• Franck Houndégla – directeur artistique du programme
• Valérie Lesbros – Institut Français, Paris – programme Afrique et Caraïbes en créations
• Fiona Meadows – Cité de l’architecture et du patrimoine

***Opérateurs des projets

• Ecole du Patrimoine Africain – EPA
• Institut français du Tchad
• Institut français de Casablanca

***Concepteurs associés aux projets

• Porto-Novo : Gérard Bassalé (coordination), opérateur culturel ; Theodore Dakpogan, sculpteur
• François Abléfonlin, peintre ; Francis Sessou, architecte
• N’Djaména : Abdelkader Badaoui (coordination), artiste-designer et constructeur
• Malloum Hissein Mallah Adam et Bertin Fali Padjonré, architectes-urbanistes
• Casablanca : Khadija Kabbaj, designer ; Hicham Lahlou, designer ; Khalid El Bastrioui, designer

***Commandes artistiques et recherches associées aux projets

• Porto-Novo : Ishola Akpo, plasticien-photographe ; Joseph Adandé, historien de l’art ; Gérard Bassalé, opérateur culturel et réalisateur ; Didier Houénoudé, historien de l’art
• N’Djaména : Abdoulaye Barry, photographe ; Bigcool, photographe ; Nagriam Yohoyam, réalisateur ; Olivier Guiryanan, sociologue
• Casablanca : Fayssal Zaoui, photographe ; Sabrina Hakim, réalisatrice ; Ismail Lahlou, sociologue (Fondation Alliances)

***Partenaires locaux et internationaux

• Ville de Porto-Novo : Ambassade de France au Bénin
• Ville de N’Djaména : GLD – Groupe local de développement de Chagoua, Ambassade de France au Tchad, AFD – Agence française de développement
• Ville de Casablanca ; Fondation Alliances, programme Mourafiq, Alliances Darna, Ambassade de France au Maroc

**INFOS

Une édition a.p.r.e.s éditions

Edité par Gilles Coudert

Coordination éditoriale : Franck Houndégla, Alexandre Neveu

Paru en avril 2016

Edition bilingue (français / anglais)

15 x 21 cm

96 pages (ill. coul. et n&b)

18,00 euros

ISBN : 979-1-0914902-83

EAN : 9791091490283

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Dans ce travail le photographe explore l’histoire de sa grand-mère à travers les objets restants de la dot de son mariage: cantine en bois fabriquée par son futur époux, pagnes, perles, bouteilles de gin, bassines, miroir etc. Ce sont ces biens que la famille du marié apporte comme symbole pour sceller l’alliance entre deux familles, deux clans, deux ethnies et qui matérialise leurs consentements mutuels. Ainsi, dans une vision de famille élargie, on estime qu’un couple ne se construit pas, par lui seul, mais avec l’aide des proches, et en premier lieu des familles respectives. Ce système aide ainsi à inscrire les couples dans la durée dans une logique communautaire.

En photographiant les restes de cette dot, Ishola Akpo, tente de montrer ce que l’objet ne révèle jamais mais dont il est le témoin muet. Chaque image porte en elle un ensemble de souvenirs vécus par le couple, mais aussi imaginés et fantasmé par le spectateur qui projette ses propres histoires sur les objets. Ces images ont également un potentiel évocateur pour la grand-mère du photographe devenue à la fois objet et sujet du reportage. Ces objets font revivre ses souvenirs et sa mémoire. Ils révèlent aussi l’angoisse de celle qui se sent vieillir et qui souhaite laisser une trace de son passage dans la mémoire familiale.
Ces objets rouillés et usés ont vieilli avec cette femme, ils portent l’empreinte du temps comme elle le porte sur son beau visage buriné, ses rides, ses cheveux gris. Mais ils célèbrent aussi la vie de Dossi.

En parlant de cette histoire personnelle et intime et en mettant en scène sa propre grand-mère, Ishola Akpo met en perspective l’importance de cette dot reçu il y a 80 ans et témoigne d’une tradition africaine forte en l’ancrant tout d’abord dans sa propre histoire et sa subjectivité. Cette étape est pour l’artiste la première d’une réflexion globale sur la question de la dot qu’il souhaite poursuivre en imaginant ce que pourrait être les dots dans le futur.

Projet plastique autant que sociétal, cette série nous parle des traditions qui fondent nos cultures et de la manière dont elles sont perçues aujourd’hui à travers le regard d’un petit fils sur sa grand-mère, regard à la fois perplexe, aimant, critique mais conscient qu’il ne peut pas tout voir, l’essentiel étant invisible pour les yeux.

Texte Estelle Lecaille, curatrice indépendante / mòsso

*Le titre fait référence à un vers de Saint-Exupéry dans “Le petit prince” (1943)

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