L’exposition Les Fruits de l’arrangement tragique du photographe guyanais Mirtho Linguet a inauguré les Rencontres au Fort Diamant, un bâtiment symbolique qui résonne particulièrement avec son travail. Construit en 1840 et classé monument historique, il est positionné à l’embouchure du fleuve Mahury, un important point stratégique de défense de l’île de Cayenne face aux invasions et qui a été le théâtre d’affrontements entre les troupes françaises et les Amérindiens.

Cette « lutte », on la retrouve également en filigrane dans la série photographique des Black Dolls project engagé depuis 2015 par Mirtho Linguet et qui permet de comprendre l’exposition au Fort Diamant et d’englober l’engagement politique et artistique du photographe. Divisé en trois projets Poupées Noires, Flora et Mental-Cide, ce travail pose la question de comment exister dans un système oppressif hérité de la colonisation. Tandis que Poupées noires questionne le racisme quotidien dans des mises en scène travaillées incarnées dans des corps de femmes, Flora évoque le racisme dans l’imaginaire et enfin Mental-Cide serait le bain démarré, soit le bain purificateur qui permettrait de se départir de cet état toxique. Ces trois chapitres posent les problèmes, les conséquences et les solutions dans une esthétique largement influencée par son expérience dans le milieu de la mode : mise en scène, poses, lumière et couleurs saturées.

Dans le cadre des Rencontres Photographiques, des résidences croisées entre Guyane, Martinique et Guadeloupe avaient été organisées mais celle de Mirtho ayant été rendue trop complexe à cause des conditions sanitaires, il a donc travaillé en Guyane et a développé un pendant masculin à Flora. En effet, le photographe a longuement travaillé sur les corps des femmes mais la confrontation au corps masculin était aussi une étape essentielle dans le cheminement conceptuel. Cette série, intitulée Mèt bwa, s’inspire entre autres de l’ouvrage Contes et légendes de Guyane de Michel Lohier : des maîtres de la nuit, soucougnans et autres loups-garous y sont figurés dans des cérémonies nocturnes qui renforcent le sentiment d’étrangeté. Ces corps mâtinés par une atmosphère digne des nuits tropicales d’Edouard Glissant dans les Hommes Livres font également appel à la subversion et aux revendications sociétales et politiques exprimées lors du carnaval guyanais.

Un certain sens de la nuit qui m’a été particulier. La nuit comme ouverture, comme connaissance et aussi comme mystique (…). Ici aux Antilles, les zombies, les loups garous, tous les produits et les êtres malfaisants ou non de la mythologie populaire sont les maîtres de la nuit. (..)

A partir de l’expérience du conteur sur les habitations, j’ai essayé de voir si au-delà du scepticisme naturel qu’on pouvait avoir pour tous ces phénomènes si il n’y avait pas quelque chose qui remplissait le nuit et qui faisait qu’elle pouvait nous porter bien au-delà de nous-mêmes. La nuit tropicale m’a porté bien au-delà de moi-même.

Enfin, la série Structure en toute opposition esthétique et conceptuelle pose quant à elle un regard critique sur des fleurons architecturaux mais qui sont restés sans effet sur la population, soit des gestes vains et inutiles en termes politiques : photographies lumineuses de bâtiments abandonnés qui créent une sorte de typologie de ces fameux « éléphants blancs » comme on les nomme en Afrique de l’Ouest. L’alternance de cette série avec Mèt Bwa joue un effet fort de contrastes en terme scénographique et permet de faire des pauses dans un parcours dense, teinté de mysticisme et d’étrangeté. Résultat d’un travail tant politique qu’esthétique,l’exposition Les Fruits d’un arrangement tragique se lit aussi au travers des mots du photographe-même et en appelle à une prise de conscience politique.

https://produiredelajustice.wordpress.com/author/uiccsc/

Malgré zot ka corché la po a zo
Malgré zot tiré mo la po
zot le mo pa di anyen,
ki mo kontinwe grignin !

Malgré nou pa ganyen anyen
zot lé mo kontan,
zot le mo dansé,
fé mo komprann ki la vie a bel !
ki mo kontinwe grignin !

Malgré zo,ke la restan,
zot ka lésé pou nou,
zot lé mo kontan
zot le mo grignin !

Min nou jodla,
pa di ki mo pa bel,
pa di ki mo monstrueux,
pa di ki mo vilain,pa di ki mo grotesque.

Si mo konsa jodla
A ki moun ki rendé mo kou mo fika jodla ?
A Ki moun.

Min nou jodla,
Nou la douvan zot,
min nou.

pié bannann a jité
min nou
« fruits de l’arrangement tragique ».
I tan pôu nou louvri nou oueie
I tan pou arrete grignin.
Tou sa nou ka mandé à jistis.

Alors que vous écorchez nos peaux, jusqu’à l’os
Alors que vous avez retiré ma peau
Vous voulez que je ne dise rien
Que je continue à sourire !

Alors que je n’ai rien,
Vous voulez que je sois content,Que je continue à danser,
Me faisant croire que la vie est belle !
Que je continue à sourire !

Alors que ce sont des os et des restes,
Que vous laissez pour nous,
Vous voulez que je ne dise rien
Que je continue à sourire !

Nous voici aujourd’hui,
Ne dites pas que je ne suis pas beau,
Ne dites pas que je suis monstrueux,
Ne dites pas que je suis vilain,

Ne dites pas que je suis grotesque.
Si je suis comme cela aujourd’hui
Qui a fait que je sois comme cela aujourd’hui ?

Soulignons également le formidable travail de résidences organisées par l’association avec des échanges entre Martinique, Guadeloupe et Guyane avec les photographes Anaïs C., Gerno Odang et Nicolas Derné dont les travaux présentent chacun une esthétique particulière et des sujets passionnants allant des savoirs faire artisanaux, à la disparition et à la puissance de la nature et aux marronnages.

Enfin, une mention toute particulière pour les expositions de Yann Gross & Arguine Escandon Aya ainsi qu’à Quentin Chantrel pour les Blancs de l’Approuague. Yann Gross nous immerge dans la jungle au péruvienne à travers une expérience de l’extrême et des tentatives fusionnelles entre sujet et objet artistique à travers des diètes et l’expérimentation photographique sur des végétaux. Quant à Quentin Chantrel, il nous emmène dans une exposition immersive, intime et particulièrement touchante et nostalgique: on se retrouve face à une table vide contenant les restes d’un goûter de couac-sardines, des livres d’école et des dessins. Il y pose la question d’une vie de famille en marge de la société, en pleine nature et bien loin des normes sociétales tout en soulignant le courage d’avoir fait ce choix de vie familial hors cadre.

A voir également au centre Carma de Mana la vidéo L’image extractive de Daphné Nan le Sergent sur la photographie argentique : une histoire faite d’images d’archives et documentaires qui devient en partie fictionnelle quand l’artiste se permet elle-même de la revisiter avec une grande liberté.

Et enfin la formidable programmation de films et vidéos d’artistes portée par Victor Zebo de l’association Guyane art Factory Tropisme équateur avec les vidéos d’Ana Vaz, Laura Huertas Millan, etc…dans l’espace de la Poudrière à Cayenne. A travers un puissant maillage du territoire, des résidences d’artistes dont les productions finales sont judicieuses, élaborées et éloquentes dans le contexte actuel, des partenariats avec de nombreuses structures locales implantées durablement dans le territoire guyanais : le centre d’art Carma à Mana, l’écomusée de Régina, le CIAP à Saint Laurent du Maroni ainsi que des associations très actives comme la Guyane Art Factory, les Rencontres Photographiques remportent haut la main le défi actuel des biennales d’art et de photographie en s’ancrant durablement dans le territoire guyanais, en soutenant la jeune création artistique et en posant les termes d’une réflexion écologique et politique et non des moindres à travers les concepts d’écologie décoloniale développés par Malcolm Ferdinand.

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Commençons par une rencontre assez déroutante dans les différentes galeries du haut de la ville avec un groupe de sapeurs congolais déambulant un verre à la main. Cette performance intitulée The Sartorial Show de Defustel Ndjoko[[Un créateur camerounais installé en Belgique et nouvelle icône de la mode]] et organisée en marge de l’exposition sur les masques rituels d’Afrique noire à la galerie Didier Claes, dénote ironiquement dans des quartiers connus pour leur tranquillité bourgeoise et leur fortune bâtie pendant le passé colonial de la Belgique où de nombreux Belges ont pu s’enrichir largement et faire prospérer maintes entreprises sous couvert d’une mission « civilisatrice ».

De là, nous passons dans les deux espaces de la galerie Félix Frachon[[http://www.felixfrachon.com/ Sculpter le temps, Nyaba Ouedrago, jusqu’au 18 novembre 2018]] qui propose un bel ensemble rétrospectif d’une vingtaine de photographies de Nyaba Ouedrago sous le titre Sculpter le temps. Depuis 10 ans, ce photographe burkinabé s’intéresse à des sujets politiques, économiques, sociologiques et écologiques. L’enfer du Cuivre, Les fantômes du fleuve Congo, Casseurs de Granit, Erreur Humaine sont les titres de ces séries dans lesquelles le photographe mêle sujets sociaux et esthétisme revendiqué. Sa préoccupation est de nous montrer comment l’Afrique vit aujourd’hui. Avec un regard nouveau, avec l’intention de ne pas sombrer dans la fatalité mais de donner à voir la vie quotidienne des Africains. Ainsi dans Les Fantômes du Fleuve Congo, il retrace à partir du livre Au cœur des ténèbres de Joseph Conrad un langage qui évoque passé colonial et présent à travers des images mystiques et étranges des habitants des berges du fleuve.

Dans cette série Les Fantômes du fleuve Congo, spécifiquement du point de vue de Brazzaville, j’ai volontairement évoqué la tension, la violence, la liberté et la vie qui existent dans ce fleuve mythique et mystique à la fois. J’ai souhaité parler de ces hommes et le rapport qu’ils entretiennent avec le fleuve. À travers mes images, je rends compte du passé et du présent. Je montre une vision documentariste, artistique et conceptuelle. Je montre un Congo nouveau, un Congo contemporain.

Dans L’enfer du cuivre au Ghana, des déchets électroniques en provenance des pays occidentaux sont recyclés par de jeunes ghanéens au mépris de leur santé afin d’en fabriquer des bagues et des bracelets. Nyaba Ouedrago considère qu’il est de son devoir de faire jaillir de l’ombre des questions.

Le but est de témoigner du présent. Dans mes images, je recherche une attitude non pas neutre, mais naturelle, afin d’éviter que les protagonistes cherchent à contrôler leur image, qu’ils « posent » devant l’objectif. Je les ai photographiés dans leurs lieux de travail, avec une liberté qui m’est propre. J’ai ainsi voulu donner une vision synthétique du phénomène.

Nous continuons notre promenade avec la présentation d’une photographie de la série L’Europe fantôme dans l’espace window de la galerie Hopstreet[[Window#15, sur invitation de Hans Martens, Hopstreet gallery, jusqu’au 27 octobre 2018]]. Dans le cadre d’un prêt d’objets de l’Africa museum de Tervueren, le MuZee à Ostende a invité le photographe Patrick Wokmeni à proposer une réflexion autour de la notion du patrimoine colonial et post-colonial. Au milieu d’un décor typiquement bamiléké, des personnes (issues de la diaspora africaine) manipulent précautionneusement des objets à la valeur inestimable: masques, fétiches, sculptures passent de mains en mains, sont ajustés sur les têtes, présentés, montrés dans une scénographie presque chorégraphique. Le regard du photographe pose la question de la place des objets ethnographiques dans les collections muséales européennes ainsi que le statut qui leur a été conféré par leur transposition d’un contexte originel rituel à un contexte de préservation et de conservation du patrimoine. Questionnement brûlant d’actualité puisque d’autres musées ethnographiques européens ont entamé des réflexions analogues quant à la nature et au sens même de leurs collections dans le souci de créer des musées post-ethnographiques[[En regard notamment avec l’actualité actuelle en Belgique : réouverture de l’Africa Museum en décembre 2018 et débats entourant la question de la restitution du patrimoine africain]].

Enfin, Hangar nous propose de découvrir l’entièreté de la série Weke[[Qui signifie «l’univers visible et invisible, toutes choses créées, vivant, respirant ou non»]] de Namsa Leuba[[Exposition visible jusqu’au 06 octobre 2018]]. Dans la lignée de ses recherches sur l’identité africaine vue par le prisme occidental, Namsa Leuba crée un univers fantasmagorique entre images de mode et coutumes séculaires qui explore les différentes religions et cosmologies africaines. Ici, elle nous emmène au coeur du Vodun.
Le Bénin est le lieu de naissance du Vodun, prédominant de nombreuses religions de plus de 10 000 ans, et il existe des groupes qui maintiennent la tradition vivante et forte. La cosmologie de Vodun est basée sur l’idée que les esprits gouvernent le monde naturel et humain, et les pratiques religieuses incorporent des cérémonies qui communiquent avec les dieux mythiques et les ancêtres. Le principe fondamental du vodun stipule la continuité de toutes choses visibles et invisibles dans l’univers, une croyance dans l’interconnexion du monde vivant, spirituel et naturel. Inspiré par les codes visuels et les symboles du Vodun, j’ai construit une série photographique performative qui a réitéré des rituels importants.

A la manière d’une anthropologue, elle a ainsi longuement séjourné et voyagé au Bénin pour comprendre l’essence du Vodun mais également pour trouver ses modèles et les lieux idéaux pour les photographier. Ces images saisissantes de beauté érigent ces personnes posant de façon théâtrale avec des objets sacrés et profanes en de véritables icônes de mode. Namsa explore également dans cette série de nouveaux dispositifs photographiques qui deviennent des objets tridimensionnels à part entière comme ces impressions sur de la porcelaine de Limoges, ces tapisseries étonnantes à la limite de l’abstraction ou ces installations photographiques. Un nouveau tournant dans la déjà très riche et prolifique carrière de cette jeune artiste.

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La galerie Félix Frachon a ouvert à Bruxelles en 2016 dans une ancienne boutique dans le haut de la ville et propose une sélection de jeunes artistes provenant de régions ou de continents dits émergents : Asie du Sud Est, Afrique, Amérique centrale et latine et Moyen Orient. En ce début d’année 2018, une carte blanche a été offerte au commissaire indépendant basé à Paris, Yves Chatap, qui a pris le titre de Letter from my dreams…
De cette proposition onirique, nous retiendrons donc l’invitation du commissaire à faire intrusion dans son rêve, car, oui en effet, cette exposition est bien le fruit d’un rêve dans lequel lui ont été révélés les noms des artistes présentés Ernest Dükü, Nyaba L. Ouedrago, Steeve Bauras et Arianne Foks, qui sont en tant que tels déjà tout un programme sonore et poétique. Ne cherchez pas des liens conceptuels, esthétiques ou même symboliques, chaque œuvre et chaque artiste adoptent une multitude d’interprétations et nous emmènent dans un long voyage entre visible et invisible, réalité et imaginaire à la manière des rêves où tous les possibles se révèlent.

L’artiste français Steeve Bauras, né en 1982 à Fort de France en Martinique, est le premier à nous attirer dans un univers en noir et blanc, fantasmagorique, avec des clichés à la sculpturalité surprenante, dos nu, cyprès au clair de lune et masse imposante d’une chapelle désertique. Ce travail à l’appareil numérique est d’une grande spontanéité et nous donne à voir une « réalité » possible, prise sur le vif, à la recherche des souvenirs de personnes disparues qui ont marqué l’artiste. Mais ses photographies ne nous montrent plus que des traces fantômatiques imperceptibles et mouvants.

Photographe né en 1978 au Burkina Faso, Nyaba L. Ouedraogo met la figure humaine au centre de son travail artistique en abordant des problématiques sociales et politiques cruellement actuelles. Dans une nouvelle série de triptyques, on y croise sapeurs congolais et autres formes de revendications sociales, dans une interrogation sur nos sociétés actuelles. Ses compositions sont liées par un esthétisme certain, un rapprochement de formes, de couleurs pour composer une nouvelle narration, une nouvelle image des sociétés africaines post-coloniales en pleine mutation. Le photographe est ici à la recherche de la mémoire de lieux tangibles ou imaginaires.

Ernest Dükü est né en 1958 en Côte d’Ivoire. Son travail qui oscille entre peinture et sculpture se base sur des recherches auprès d’éléments traditionnels comme les signes Akan mais également auprès d’autres traditions comme celles de l’Egypte antique ou de l’art pariétal. Dans ses Black series (des « peintures sculptées »), il renoue avec une symbolique particulière mystique et mystérieuse: personnages filiformes mi-clairs et mi-obscurs sur fond noir lunaire qu’on imagine aisément sortant du cadre et se mouvant face à nous à la manière de mobiles en fil métallique.

Arianne Foks, née en 1982, plasticienne et performeuse, clôt la déambulation avec Le Monde (gravure sur film miroir) en nous renvoyant une image grossière et déformée de nous-mêmes pour nous perdre encore un peu plus entre des mondes possibles.
L’exposition est habilement complétée par une série de conférences et performance durant les mois de février et mars selon le programme ci-dessous :

**Dimanche 11 Février 2018

Ernest Dükü : « Spiritualité et création » entretien avec Cécile Camart

Quelle est l’influence de nos croyances dans la perception du monde actuel ? Ernest Dükü travaille depuis plusieurs années sur cette question en interrogeant notre rapport à toute forme de croyance. Au cours cette rencontre, l’artiste évoquera son parcours centré sur la symbolique des formes et leurs relations à nos aliénations sociétales.

**Mercredi 28 Février 2018

Nyaba L. Ouedraogo : conversation Elena Sorokina
Au cours cette rencontre l’artiste parlera de sa relation à l’espace urbain dans sa pratique photographique. Le rapport au réel et la nature de cette réalité sont des enjeux majeurs de l’image contemporaine. Comment l’image accentue notre relation aux problématiques de nos sociétés ? Quel est l’impact de la photographie notre perception de notre mémoire ?

**Samedi 17 Mars 2018

Steeve Bauras : « Révéler l’intime » suivie d’une performance d’Arianne Foks
Au cours de cette rencontre, Steeve Bauras interrogera le concept de clair/obscur dans la photographie. Il présentera également ses dernières séries en cours de réalisation. L’image serait-elle un simple négatif du souvenir qu’elle soit documentaire ou conceptuelle?

FELIX FRACHON GALLERY

5 Rue St-Georges / St-Joristraat

1050 Ixelles

BELGIUM

+32 486 14 13 30

felix@felixfrachon.com

Tuesday – Saturday

11 am – 18 pm

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L’équilibre entre artistes internationaux et nationaux, primordial pour éviter toute frustration de la part des artistes locaux et ouvrir la scène artistique lushoise à des artistes de renommée internationale, a été aussi de mise. Les artistes étrangers étaient épaulés durant leur production par des artistes lushois dont certains connaissent déjà une carrière internationale. Ces binômes créés sur un échange de savoir faire et de connaissances sont un élément décisif et indispensable dans un processus créatif qui cherche à amalgamer des éléments divers. Un jeune artiste a ainsi témoigné de sa « naissance véritable » en tant qu’artiste lors de la production des œuvres de l’artiste belge Joëlle Tuerlinckx.

La Biennale de Lubumbashi organisée par l’asbl Picha (image en swahili), tout d’abord très orientée sur la photographie et la vidéo à l’image de sa grande sœur de Bamako, a pris un tournant décisif cette année en s’élargissant à d’autres pratiques artistiques: entre autres, de surprenantes installations in situ d’artistes majeurs de la scène internationale comme Henrique Oliveira, Monica Nador ou encore Charif Benhelima.

Mais la photographie n’est pas en reste avec la série sur les Kadogos de Georges Senga qui consiste en 28 diptyques photographiques. Les photos sont accompagnées de passages de Souvenez-vous de moi, l’enfant de demain de Serge Amisi, un ancien enfant-soldat congolais. Cette série d’images nous parle de la fascination qu’a exercée sur les jeunes ces enfants-soldats vivant comme des adultes et traquant dans les moindres recoins les soldats de Kabila. Vus comme des libérateurs, ils étaient aidés par la population locale et suscitaient beaucoup d’envies. En croisant fortuitement un groupe de jeunes déguisés lors des grandes vacances, des souvenirs d’enfance et de jeux sont revenus à l’esprit du photographe. En mettant en scène ces enfants déguisés à la façon des kadogos, le photographe brouille les pistes entre passé et présent, jeu et réalité.
Quant à l’installation Day by day, let me dream my future de l’artiste kinois Vitshois Mwilambwe Bondo, elle propose une réflexion sur la réalité économique d’individus vivant au jour le jour dans des espaces urbains africains de petits business ce qui leur rend très difficile de s’imaginer dans un futur. L’installation nous montre une personne qui se débat dans un rêve de couleurs. Une interprétation spirituelle et existentielle de la vie urbaine en Afrique.

A la Halle de l’Etoile, Michèle Magema présente deux projets chacun appréhendant le Congo sous un angle différent. Under the landscape propose des constructions du Congo à partir de cartes géographiques des neuf frontières du Congo dessinées sur du bois. Ces dessins portent en eux les notions de déconstruction, de répétition et de reconstruction, une reconstruction par ailleurs opérée par le regard du spectateur et presque imaginaire du puzzle du Congo. Mémoire hévéa, la deuxième installation, a directement trait à son histoire personnelle présentée sous la forme d’un triptyque photographique entouré de 34 dessins qui représentent chacun un élément de l’histoire du Congo.

« Le point de départ Mémoire hévéa, est 1921, la date de naissance ma grand-mère et son point d’arrivée, 1977, ma propre date de naissance, et au-delà. Je suis partie d’une vieille photo de ma grand-mère, puis ai mis ma mère et moi-même en scène dans la même position. Chaque portrait est assez frontal, posé devant l’objectif d’un studio. Par le filtre photographique, il y a une forme de jeu entre le passé et le présent, le grain de la photo de la grand mère n’est pas le même que celui des deux autres. On perçoit l’évolution de la technique. On retrouve également des jeux plastique, sémantiques et plastiques qui représentent un ensemble et recréent une unité. »

Cette installation incarne un futur possible, une réalité passée et évoque à la fois l’histoire de l’époque coloniale et l’histoire familiale de l’artiste, une autre façon d’appréhender le caractère insaisissable du réel.

Notons également les très beaux films de Sarah Vanagt, Els Opsomer et Jonathas de Andrade qui à eux seuls méritaient une visibilité encore plus accrue.

En se réappropriant le réel qu’il soit politique, économique, historique ou familial, les artistes invités pour cette 4ème édition ont fait preuve de toute leur créativité dans un contexte socio-économique particulier avec des œuvres magiques, surprenantes, atypiques, pleinement ancrées dans la réalité locale en interrogeant le spectateur et en remettant également en question notre regard sur nous-mêmes pour cesser d’être un objet de consommation et redevenir pleinement maître de son destin. Cette biennale a montré qu’elle est la construction de tous, autant des artistes et des commissaires que du public et qu’elle peut exister indépendamment du marché de l’art et des institutions étrangères. Pour reprendre le slogan lancé par les jeunes lors de la performance dans la cabine de Joëlle Tuerlinckx FREEDOM, un slogan qui ne doit jamais se perdre.

**4e édition Rencontres Picha, Biennale de Lubumbashi, Réalités Filantes

9 octobre – 8 novembre 2015

Vitrine de la scène artistique de la RDC, les Rencontres Picha, Biennale de Lubumbashi, tentent d’explorer les derniers développements de la création contemporaine en rassemblant tous les deux ans, aux côtés des artistes congolais, des artistes internationaux dans différents domaines d’expression. Réalités Filantes, l’exposition de la 4e édition de la Biennale de Lubumbashi se déploie dans plusieurs lieux. Elle comporte trois volets répartis sur trois sites : le Musée National de Lubumbashi, l’Institut des Beaux-arts, la Halle de l’Etoile/Institut français.
Toma Muteba Luntumbue, Directeur artistique et commissaire, Daniella Géo, Commissaire

Artistes participants : Charif Benhelima, Frances Bodomo, Bakary Diallo, Jonathas de Andrade, Alfredo Jaar, Jean Katambayi, Richard Kaumba, Kapwani Kiwanga, Mathieu Kleyebe Abonnenc, Gulda El Magambo, Michèle Magema, Eddy Masumbuku, Mega Mingiedi, Adrien Missika, Vitshois Mwilambwe, Mônica Nador, No Olho da Rua, Henrique Oliveira, Els Opsomer, Georges Senga, Pathy Tshindele, Joëlle Tuerlinckx, Maarten Vanden Eynde, Sarah Vanagt, Costa Vece, Pecho Kamunga.

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Né en Côte d’Ivoire, Raymond Dakoua vit depuis de nombreuses années à Bruxelles où il a étudié à l’Ecole de Photographie Agnès Varda.

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Devenue accidentellement aveugle à 3 ans, elle a été abandonnée par sa famille puis recueillie dans un orphelinat d’Addis-Abeba. Ces images poignantes en noir et blanc de son quotidien sont le fruit d’un échange intime et profond entre la fillette éthiopienne et la photographe finlandaise. En tissant des liens de respect et d’amitié durables, Aster a appris à Meeri Koutaniemi comment solliciter autrement ses cinq sens dans son travail : le spectateur se retrouve à même de ressentir l’eau qui coule sur la peau, la complexité des devoirs de braille, l’intimité lors des bavardages dans la chambre….loin de tout misérabilisme, ces images très humanistes au cadrage serré dans une approche très sculpturale (comme la photo des deux fillettes enlacées sous un voile) se situent à la frontière du photojournalisme.

Elle a trouvé un juste équilibre entre un sujet si délicat et sa volonté d’attirer l’attention sur des problématiques sociales et politiques. A travers chacune de ses séries, Meeri Koutaniemi cherche à éveiller les consciences sur des thèmes tels que la maladie liée à la pauvreté, les oppressions politiques ou les violences faites aux femmes. Elle développe actuellement un projet dénonçant les mutilations génitales féminines.

**PLUS D’INFOS

www.institut-finlandais.fr

Site de Meeri Koutaniemi

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Nous sommes face à un travail photographique qui expose ton intimité, tes souffrances, tes déchirures. La première question que nous nous posons est de comprendre les raisons qui t’ont poussé sur le chemin de l’exil ?

Je suis partie du Togo en juin 1992 pour rejoindre mon mari qui avait fuit en Allemagne pour des raisons politiques. Moi, je suis née à Kouvé dans la préfecture de Yoto à 70 km de la capitale de Lomé. En 1987-1988, je me suis installée à Lomé pour poursuivre les études. J’y étais logée et ma mère m’envoyait de la nourriture tous les week-ends. Etant sa seule fille, elle m’a beaucoup aidée à l’époque pour que je puisse étudier. Comme on dit chez moi, il y a deux sortes de sagesse : la sagesse de la maison et la sagesse intellectuelle (ce qu’on apprend de l’extérieur). Mais les conditions de vie sont devenues de plus en plus dures et j’ai choisi la dactylo pour pouvoir trouver du travail rapidement. J’ai trouvé un poste au CHU de Lomé jusqu’à mon mariage. Le soulèvement populaire avait eu lieu en 1990. La porte était en quelque sorte ouverte. C’était naïf de notre part mais à l’époque on était mû par une volonté que les choses changent sans se rendre compte des conséquences de ses engagements. Le principal opposant politique était de mon village, c’était normal de le soutenir. Puis il y a eu une véritable chasse à l’homme. J’ai du moi aussi quitter le Togo pour rejoindre mon mari en Allemagne. De là a commencé une longue suite d’errances entre l’Allemagne, le Limbourg et Bruxelles.

Aussi ces photographies intimes qui n’étaient a priori pas destinées à être montrées, vous les avez finalement exposées. Quel a été à ce moment là l’impact sur votre vie familiale ?

Effectivement, l’exposition de ces clichés a eu des conséquences. J’ai été moi-même très réticente au départ puis j’ai accepté. Par contre, j’ai passé des moments difficiles avec ma fille. Mais pour moi je prêtais « Hélène » pour faire des images, j’avais pris une certaine distance. Maintenant, elle est très fière de mon travail photographique.

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Autodidacte, il a commencé à photographier la vie nocturne de son quartier de New Bell après être tombé en amour avec la photographie grâce à la vidéaste française Anne Chabert.

Trois images de la série sur le mouvement hip hop réalisées en 2009 à Douala sont des portraits instantanés dans un style ‘vérité documentaire’ qui traduisent l’engouement des jeunes camerounais pour le phénomène hip-hop.
Deux autres photographies de grand format de la série Purgatoire réalisée en 2013 au Maroc nous montrent les difficiles conditions de vie des immigrés clandestins bloqués à Rabat dans l’attente d’un hypothétique départ. Amis proches de Patrick Wokmeni, certains sont peintres, écrivains etc…au delà de toute critique des politiques d’immigration, le photographe nous donne à voir un aperçu intime de la vie précaire de ces individus capturés entre contexte culturel et systèmes politiques dans l’espoir de trouver une vie meilleure en Europe. Représentés dans l’acte d’attente perpétuelle, ils racontent: « Ce n’est pas mon tour encore, Le temps de Dieu n’est pas encore venu ». Les photographies de Patrick Wokmeni entre lutte individuelle et recherche d’identité révèlent certaines valeurs de son pays qui ont notamment façonné son activisme à travers la photographie.

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Voici planté le décor de l’alléchant programme conçu par Christophe de Jaeger (commissaire d’exposition en photographie à Bozar à Bruxelles) autour de la thématique de la tenue vestimentaire en Afrique: Wanchegi Mutu, Martin Parr, Yinka Shonibare… Les grands noms de la photographie contemporaine y côtoient des artistes émergents comme Baudouin Mouanda, Namsa Leuba ou encore Nontsikelelo Veleko…
Grâce à un plan (sommaire) nous nous sommes lancées à l’assaut des 17 emplacements outdoor éparpillés dans toute la ville ! Les dispositifs d’exposition variaient selon le contexte allant de cubes posés à même le sol aux panneaux en bois fichés dans le sable, certains plus adaptés que d’autres…..heureusement la qualité des œuvres était au rendez-vous !

Notre coup de cœur absolu fut pour le travail du photographe britannique Jim Naughten superbement implanté dans un parc urbain des images des femmes Hereros (un peuple d’éleveurs de Namibie) habillées de robes victoriennes imposées par les femmes des missionnaires allemands au début du 20ème siècle car elles jugeaient les autochtones trop dénudées à leur goût ! Depuis, elles sont toujours portées longues, bouffantes, faites de tissus colorés et accompagnés d’un chapeau traditionnel en forme de cornes de vaches qui rappelle le respect de ce peuple pour le bétail. Quant aux hommes, ils portent des costumes militaires : en effet, pendant la guerre, les Hereros s’appropriaient les costumes de leurs ennemis décédés à la fois dans un acte honorifique mais aussi pour prendre leur pouvoir ! Parti pendant 4 mois à la recherche de ces costumes époustouflants, le photographe britannique Jim Naughten en a rapporté des images à la fois fragiles, étonnantes, prises in situ dans des paysages désertiques qui nous questionnent sur l’appropriation de cet héritage colonial allemand fortement contreversé (en effet, un des premiers génocides en Afrique a été perpétré par les colons allemands en 1904-1906 contre les Hereros et les Namas).

Sur des panneaux face à la mer, le travail d’Hector Médiavilla sur les Sapeurs est juxtaposé à celui de Baudouin Mouanda. La société des ambianceurs et des personnes élégantes (SAPE) est une mode vestimentaire populaire développée lors des indépendances des deux Congo dans la lignée du dandysme. Mais la Sape est aussi une façon de vivre : courtoisie, bonnes manières, politesse sont incontournables !

Quand le photographe espagnol expose un questionnement sur la Sape dans un contexte anthropologique, le photographe congolais nous époustoufle d’images colorées, vives et vivantes, représentatives de la joie de vivre des Sapeurs. Quant à Daniele Tamagni, il a également photographié les sapeurs de Kinshasa pour nous montrer comment la Sape est à la fois universelle et unique en son genre.

Enfin, la digue se termine avec brio sur les photographies de Phyllis Galembo qui depuis 20 ans documente l’art de la mascarade à travers l’Afrique et Haïti : un travail surprenant qui fait part de la créativité et de l’unicité de chaque tradition. Nous nous sommes aussi délectées des photographies pop pleines d »humour d’Hassan Hajjaj qui attirent le regard du passant avec ses modèles décalés de la culture arabe contemporaine et de Martin Parr avec sa série caustique de photographies sur la plus grande course hippique d’Afrique du Sud.

Malgré l’excellence et la cohérence des photographies exposées, ce parcours photographique à travers la station balnéaire pêche malheureusement par un éparpillement des lieux qui ne donne pas une vraie dynamique à l’ensemble….mais nous attendons avec impatience la prochaine édition de ce festival de photographies, Knokke étant quand même un sacré dépaysement !

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