Bonjour, pourriez vous présenter votre collectif et ses objectifs ?

YAMAROU : Créé en 2018, l’association Yamarou Photo est un espace de rencontre, de formation et d’échanges, créé par un groupe de professionnels de la photographie. Elle a pour objectif principal le développement et la professionnalisation du secteur de la photographie au Mali.
Elle intervient dans les domaines prioritaires suivants :Séances d’initiation à la technique de prise de vue et formation continue des jeunes artistes photographes ; Masters class professionnels animés par d’éminents artistes photographes africains, occidentaux et de la diaspora ;Expositions monographiques et collectives ;Programme de médiation scolaire visant à inculquer aux jeunes scolaires et collégiens la culture de l’image et de l’art photographique ; Réseautage et marketing culturels.
Les objectifs de Yamarou Photo sont :Appuyer la politique de Promotion de la photographie au Mali ;Créer un espace de dialogue entre les jeunes autour de la photographie ; Créer un cadre de rencontre entre les photographes nationaux et internationaux ; Organiser des expositions, des ateliers et des résidences artistiques et aussi encourager la participation des femmes dans le secteur de la photographie.

KAMERA : Le collectif kamera est le premier collectif de photographes Camerounais créer en 2011 par 06 photographes professionnel (Rodrig MBOCK, Landry MBASSI, Emkhal Eyongakpa, Mvondo Walter, Silas Ngantar Aimay Menoba, Romuald Dikoume). Le collectif met en place le projet 4×4 en 2016, le projet 4×4 naît de la volonté de contribuer au développement de la photographie au Cameroun, plus précisément dans le domaine de la jeune création visuelle. En effet, compte tenue du manque de formation et du manque de proposition dans le champs artistique photographique, les photographes Camerounais sont souvent absents aux différents festivals photo en Afrique. Le Collectif Kamera et le Studio Globule se sont mobilisés depuis 2016 pour imaginer une forme alternative de formation en photographie par les ateliers.

220 : Le Collective 220 est né en 2015, dans la chambre 220 de l’hôtel Albert Ier à Alger. Au départ, il s’agissait d’un groupe de photographes qui participait au Festival national de la photographie (FesPA). Ce nom est un hommage à cette rencontre impromptue et aux rencontres qui en ont découlé.
L’envie de créer ce groupe était principalement due à notre besoin d’un espace d’échange, de réflexion et de travail dans un environnement qui manquait alors de ce type d’expériences collectives. Nos approches et nos langages visuels varient mais nous partageons le même désir de raconter nos histoires, de photographier nos réalités de manière personnelle et subjective. Nous avons envie de raconter l’Algérie contemporaine autrement, mais nos territoires de prise de vue ne se limitent pas à ce pays : plusieurs de nos membres ont des projets en France, en Jordanie, au Maroc ou en Tunisie…
Le nombre de photographes du collectif a évolué au fil des années, certains des membres ne sont plus des membres actifs du collectif, mais sont toujours présents par leurs conseils ou leur participation à certains projets
Aujourd’hui, le collectif compte dix personnes, dont cinq qui l’ont rejoint cet été : Ramzy Bensaadi, Houari Bouchenak, Célia Bougdal, Soufian Chemcham, Bilel Madi, Youcef Krache, Cléa Rekhou, Fethi Sahraoui, Abdo Shanan et Lynn S.K..

KOZ : Le collectif KOZ est né en été 2020 et est la fusion de plusieurs discussions entre M’hammed Kilito, Imane Djamil, Seif Kousmate et Yasmine Hatimi. Il vient d’un désir profond de collaboration et de mutualisation des savoirs pour contrer le travail solitaire que peut être celui du photographe d’une part, et d’une envie de créer des dialogues autour de l’industrie photographique dans un pays où les pratiques, autant que les “législations” restent fragiles. Au sein de KOZ, nous cherchons à nous professionnaliser davantage individuellement grâce à l’aide des autres, et à partager nos expériences (au sens très large du terme) avec des gens curieux du métier ou souhaitant en savoir plus sur les pratiques photographiques.

Qu’apporte le collectif à la pratique photographique en Afrique ?

YAMAROU : Le Collectif Yamarou Photo, de sa création à nos jours, à apporter beaucoup d’innovations à la photographie au Mali et en Afrique.
D’abord sur le plan de l’initiation des jeunes de 16 à 25 ans à la technique de prise de vue photographique, Yamarou Photo a dédié un programme d’activités à ce volet. De 2018 à 2021, plus de cent cinquante jeunes ont été initiés à la prise de vue et certains parmi eux ont commencé à amorcer une carrière artistique avec nous.
Pour élargir la base du vivier photographique, nous avons développé une grande médiation autour de la communauté scolaire et collégienne, qui reçoit chaque année une séance d’intermédiation ponctuée par des formations et des expositions photos dans les écoles.
Exemple : cette année, une exposition, intitulée « Sur le mur » a été organisée dans plus de 10 écoles à Bamako, au mois de juin 2021.
Le crédo de notre Collectif est la formation continue et le renforcement des capacités des photographes aux techniques de l’art photographique.
Nous dispensons cette formation à nos photographes et aussi aux photographes des autres associations et collectifs de photographes. Le but de ces formations est d’outiller les photographes dans les techniques professionnelles et artistiques.
Aussi, nous organisation des Master class à l’endroit de nos photographes (cette année, nous en avons organisé 4 qui ont été animés par des artistes maliens et étrangers, notamment Fatoumata Coulibaly dite FC, artiste et réalisatrice de cinéma, membre du jury de FESPACO ; Ludovic Faidaro, photographe Belge, etc.).
Yamarou Photo apporte son expérience et son savoir-faire dans la formation en photographie, dans la création artistique, le management culturel en Afrique et le réseautage. Le Directeur Artistique de Yamarou, Monsieur Seydou CAMARA a participé courant Mai 2021 à un Master class en Guinée Conakry en prélude au festval « les 72 heures du livre ».
Notre collectif fait du CLPIA qui est le réseau des centres de formation en photographie en Afrique. Le collectif reçoit des photographes africains venus échanger ou participer à un Master class organisé par Yamarou Photo. Yamarou Photo fait partie des initiateurs de la création de l’inter biennale photographique du Mali, qui est une grande rencontre de photographes maliens et africains, organisée chaque temps creux des Rencontres de Bamako.

KAMERA : Le collectif cherche avant tout à renforcer les capacités des jeunes photographes par des ateliers théoriques et pratiques. Le collectif a créé une communauté de photographes au Cameroun, cela a permis à ceux ci de se rapprocher des anciens pour bénéficier de leurs conseils, nous encourageons les photographes artistes à participer aux différents festivals en Afrique. Les jeunes photographes étant parmi les populations les plus précaires dans les villes Africaines, le collectif essaye de préparer les photographes à l’entrepreneuriat en essayant de mieux les organiser.

220 : Le constat de l’invisibilité de la photographie dans le champ culturel national nous a confrontés à l’obligation de combler ce vide, notamment en multipliant l’accès à la photographie par le biais de différents canaux : ateliers, expositions, festivals, publications, rencontres, débats, projets d’édition… L’ambition du collectif est aussi celle de créer une banque d’images qui servira de repère visuel mais qui sera aussi une source d’archives, un vecteur par lequel une histoire contemporaine de la photographie algérienne pourra être élaborée.
Et bien sûr il est important pour nous de nous inscrire dans le continent africain, dans les échanges qu’on fait avec les pays voisins, par le biais d’expositions, de rencontres, que ce soit à Bamako, Tunis ou Casablanca… Mais nous pensons aussi que ce n’est pas assez : on a toutes et tous (collectifs, institutions, individus…) un travail à faire en ce sens afin de développer des liens entre tous les pays du continent africain. Des choses ont bougé mais nous pouvons encore contribuer à développer ces collaborations.

KOZ : Depuis que nous avons débuté cette aventure ensemble, nous nous sommes rendus compte que le collectif nous apportait d’abord à nous en tant que photographes. En renforçant, grâce aux outils apportés par les autres, notre discipline, nous avons pu bénéficier de bourses, prix etc, ce qui nous a permis d’avoir les fonds et le temps nécessaires pour raconter des histoires documentaires et visibiliser d’une part certains récits, de l’autre la scène photographique marocaine, auprès d’audiences de proximité, mais aussi celles des réseaux de distribution étrangers que nous aurions eu plus de peine à aborder sans cette mutualisation (notamment les grands festivals de photographie en Afrique, Europe…). Cette organisation plutôt fructueuse répond d’abord à une question à laquelle beaucoup de nos collègues en Afrique sont confrontés: celle de l’impossibilité de collaborer dans nos pays. Nous entendons souvent qu’il n’est ni simple ni bon de s’associer, tous domaines confondus, mais les collectifs présents lors de cette journée à l’Institut pour la photo prouve que non seulement il est possible de le faire, mais que le collectif est peut-être l’une des seules façons d’envisager une vision sur le long terme et d’être dans une logique de développement à tous les niveaux. A partir de cette discipline de travail qu’on a établie, il nous a été possible de faire un travail auprès d’autres photographes qui débutent leur aventure, d’être de bon conseil, d’accompagner une série photographique en abordant les différentes étapes de l’écriture d’un projet etc…
Nous souhaitons aussi ajouter qu’en Afrique, les métiers des industries créatives peinent à être reconnus, à la fois dans l’aspect juridique, professionnel, mais aussi dans le regard que la société porte sur les artistes. C’est par le biais de la solidarité entre les professionnels de ces métiers là, qui imposent leur vision, leur méthodologie, et leur devis hahaha, qu’on pourra, par respect au métier de photographe, le faire reconnaître et diffuser ses réalités et mécanismes de fonctionnement pour que d’autres puissent prendre conscience qu’il est un métier comme les autres. Et nous avons indéniablement besoin de plus de visual storytellers au Maroc!

A quels besoins répond cette organisation en collectif ?

KAMERA : Le collectif met le photographe au centre de ses préoccupations. Nous contribuons à son épanouissement au sein de la grande communauté, mais aussi au renforcement de ses capacités techniques. Le matériel étant au centre de la pratique de la photographie, nous avons depuis deux ans imaginer une plate-forme destinée à la vente de matériel photo d’occasion à petit prix pour notre communauté.

220 : Cela répondait à un besoin de structuration du travail. Tous les 220 le disent, travailler en groupe, en collectif, c’est une force. C’est pouvoir s’entraider, partager des avis, s’accompagner les un.es les autres sur des questions d’editing, de participations à des appels à projet… Cela se fait de façon assez fluide, c’est comme si chaque photographe pouvait être l’éditeur photo d’un autre membre du collectif.
Cela permet aussi une meilleure visibilité pour l’ensemble des photographes mais également pour la photographie algérienne en général, à l’échelle nationale et internationale.

KOZ : Le collectif, c’est la mutualisation des savoirs pour que nous puissions chacun aller plus loin. C’est aussi la force du groupe face à des clients, galeristes, média etc… parfois eux-mêmes ignorants de certaines réalités, et parfois conscients mais de mauvaise foi. C’est le désir profond de créer une plateforme solide pour accompagner des projets par des workshops, mais aussi du one to one, du mentoring. C’est pouvoir envisager de nouvelles façons de diffuser, d’exposer, de donner à voir des histoires singulières. Et pour finir, c’est aussi de reprendre le droit sur son histoire collective, sur la mémoire d’une ville, région, pays et ensuite continent qui a souvent été écrite par des “explorateurs”, historiens, académiciens et qui doit être complétée dans certains cas, ou remise en question dans d’autres.

Quelles sont les difficultés / les défis que vous rencontrez ?

YAMAROU : Les difficultés de notre collectif sont surtout financières. Les défis de Yamarou Photo sont entre autres; Rehausser le niveau technique de la photographie malienne à celui de la norme africaine par la formation, les Masters class, etc… ; Contribuer à consolider la place de Bamako comme capitale de la photographie africaine.

KAMERA : Les difficultés du collectif sont liées à la logistique (local), au manque de matériel et surtout au manque de financement qui empêche l’ accomplissement de nos activités. L’un des gros défis que nous rencontrons est celui de permettre au photographe de vivre de son art. Comment la formation peut aider les stagiaires à créer des activités génératrices de revenus, à créer leurs entreprises, et leurs studios photo.

220 : Le collectif est justement né de ces difficultés/défis, comme celle de photographier dans l’espace public en Algérie. Ce ne sont pas des difficultés propres au collectif mais à la pratique photographique et le fait d’être un groupe nous aide là-dessus et nous motive à avancer. Une difficulté qui revient, c’est le fait que nous n’avons pas de statut (et nous tenons à notre indépendance) et il y a donc certains appels à projets pour lesquels nous ne pouvons pas postuler.

Le collectif contribue-t-il à construire une iconographie nouvelle du continent ?

YAMAROU : Oui, le collectif contribue à construire une image de la photographie plus juste en Afrique, dans la mesure où toutes les créations de Yamarou Photo sont autocentrées sur la création contemporaine africaine. Nous voulons que, à travers tous ceux que nous produisons comme œuvres artistiques, soient le reflet des réalités sociales et culturelles de l’Afrique.

KAMERA : Nous sommes convaincus et nous le vivons déjà. La photographie africaine est en train de se reconstruire. Mais cette reconstruction ne pourra se faire que par les Africains eux même, les festivals ne répondent pas toujours aux réalités du vécu des photographes en Afrique car ces festivals sont pour la majorité inspirés des festivals européens. Nous essayons avant tout de permettre aux photographes de travailler dans leurs environnements et sur les thématiques quotidiennes, en étant les témoins de leur époque, car une des missions de nos photographes est l’archivage.

220 : Ce qui est certain c’est que dès le début, il y avait une volonté d’en découdre avec les stéréotypes orientalistes ou post-coloniaux et la façon dont l’Algérie est parfois montrée à l’étranger, avec des images réalisées par des photographes ou peintres occidentaux dans des conditions parfois très ambiguës. En ce sens, nous travaillons toutes et tous sur des projets documentaires exigeants et sur le temps long. C’était (et c’est toujours) une nécessité pour les photographes du collectif de proposer leurs propres regards, des visions de l’Algérie vue de l’intérieur. Et puis, il y avait aussi la volonté d’en découdre avec la façon dont la photographie d’auteur était traitée en Algérie. C’est donc une résistance à la fois locale et internationale.

KOZ : Sans aucun doute, et ceci en alliant la qualité à la quantité. Le collectif pallie au manque de formation qui existe dans nos pays. Nous avons tous beaucoup appris les uns des autres et continuons jour après jour à le faire (à la fois au sein de KOZ mais aussi d’autres collectifs). Maintenant, les acquis doivent être partagés pour que d’autres puissent construire leur vision photographique. Nous insistons sur la quantité car au sein d’un même espace, il existe différentes cultures, différents vécus et points de vue, et qui d’autres que ses acteurs, s’ils sont en plus en quête de professionnalisation photographique, pour mieux nous plonger dans ses micro-mémoires qui, tissées, construisent une mémoire collective qui répond à ce qu’on a beaucoup trop souvent donné à voir du continent?

Vos projets en 2021/ 2022 ?

YAMAROU : Nos projets dans le futur sont : La création d’un grand centre international de photographie au Mali et la mise en place et le développement d’un réseau international de professionnels de la photographie (commissaires d’expos, galeristes, mécènes, photographes, etc.).

KAMERA : En 2021 nous avons organisé une grande exposition collective. Notre défi en 2022 est de sortir des salles d’expositions car notre constat est que l’Afrique vit dehors. tout se passe à l’extérieur, nous souhaitons aller à la rencontre des communauté pour leur faire connaître et les sensibiliser au travers de la photographie.

220 : Nous sommes sur pas mal de fronts en même temps. Tous les membres sont sur des projets de séries, d’expositions ou d’éditions, parfois au sein du collectif et parfois à titre individuel. Nous avons un projet commun avec le collectif Koz, qui va se poursuivre tout le long de l’année 2022. C’est un projet dans lequel nous avons envie de travailler sur les représentations et préjugés que chaque peuple se fait de l’autre… Grand sujet !
Nous allons également reprendre certains projets ralentis par la situation sanitaire, comme un roadtrip en Algérie avec plusieurs des photographes du collectif, ou encore la première édition des Rencontres photographiques de Mascara.
Il y a aura également une exposition collective cette année en Algérie, avant tout pour le public algérien, mais que nous rendrons visibles par ailleurs sur les réseaux sociaux.
En 2022, le Collectif fêtera ses 7 ans et ce qui nous anime c’est toujours de faire bouger les lignes et d’avancer ensemble.

KOZ : En tant que collectif, nous avons un projet avec nos amis de 220 qui se construira petit à petit tout au long de l’année 2022. Nous ne pouvons pas en dire plus, but we’re definitely cooking something. Nous avons également pas mal de workshops prévus et accompagnons d’autres photographes plus jeunes dans leur pratique. Nous réfléchissons beaucoup à ce que pourraient aux business plans que nous pourrions adopter étant donné la déception qui a suivi nos collaborations avec les circuits de distribution nationaux. Et nous avons quelques autres projets sur lesquels nous préférons ne pas communiquer pour le moment.
Individuellement, chaque photographe continue, à l’aide de bourses notamment (…..) à travailler sur des séries déjà entamées.

Pour approfondir cette interview, revenez sur la table-ronde Les Collectifs de photographes en Afrique: 4 exemples. L’Institut pour la photographie invite Afrique in visu pour une journée de rencontres autour des collectifs de photographes du continent africain avec Imane Djamil, Lynn S.K, Seydou Camara et Rodrigue Mbock. Introduction par Alice Rougeulle (Institut pour la photographie) et Houda Outarahout (modératrice de la journée, journaliste, photographe et documentariste)
https://www.youtube.com/watch?v=iI_8oM9Ppvs

L’article Interview croisée de 4 collectifs de photographes : Yamarouphoto (Mali), Kamera (Cameroun), 220 (Algérie), Koz (Maroc) est apparu en premier sur Afrique In Visu.

Cet hiver, c’est le noir et blanc qui prédomine dans nos publications. Cela rejoint plusieurs projets menés de front sur le continent pour sauvegarder et numériser les archives de photographes de studio du continent. Le patrimoine et les héros d’antan sont au cœur des initiatives comme les images du Studio Kameni. Fondé en 1963 par Michel Kameni, ce studio photo, implanté à Yaoundé au Cameroun, a immortalisé tout une époque.
Nous avons rencontré Benjamin Hoffman, à l’initiative du projet de faire revivre les archives du Studio Kameni !

Peux-tu nous parler de la genèse du projet et pourquoi vous êtes vous intéressés au travail de Michel Kameni ?
Ce projet est le fruit d’une rencontre fortuite très inattendue. Il y a 4 ans je me trouvais à Yaoundé ou j’étais invité pour une projection d’un documentaire que j’avais réalisé au Cameroun l’année précédente (Aventure, retour au pays natal). Un jour dans un taxi, pour éviter un embouteillage, le chauffeur a opté pour un chemin alternatif. Nous nous sommes retrouvés dans le quartier de la Briqueterie, à l’arrêt à nouveau puisque la rue était également embouteillée. Le taxi s’est retrouvé bloqué devant la vitrine du Studio Kameni. C’est étrange à raconter rétrospectivement, mais j’ai ressenti la situation comme un appel irrépressible à y pénétrer. En tant que photographe, j’ai toujours été très attiré par les travaux des portraitistes, et dans ma culture de l’image j’ai depuis longtemps été bercé par ce qu’ont pu faire des Sidibé, des Keita, des Depara ou plus récemment Sory Sanlé.
En entrant pour la première fois dans le studio, j’ai rencontré un des fils de Michel Kameni. Nous avons discuté du studio, du photographe qui avait longtemps occupé les lieux. Devant ma curiosité et mon entrain, il s’est décidé à me montrer quelques tirages réalisés dans les années 60 et 70. J’ai été immédiatement surpris par leur qualité, la tendresse qui émane de chaque photo et la conservation des archives présentes.
J’étais à l’époque déjà attaché au Cameroun et à son histoire et j’ai découvert dans ces images le récit de plusieurs décennies d’un pays depuis son indépendance jusqu’aux années 2000. Dans les semaines qui ont suivi mon retour en France j’ai été très obsédé par cette découverte et je me suis mis en tête de faire vivre ces images, de rencontrer leur auteur, et de porter avec lui dans un livre, le récit de ces années en studio.

Qui est Michel Kameni, comment s’est-il formé ? Et ce studio existe-il toujours ?
Michel Papami Kameni est né vers 1935 à Bana Bafang dans l’Ouest du Cameroun. En 1947, un oncle ancien soldat engagé dans l’armée coloniale française pendant la seconde guerre mondiale est de passage et décide de l’emmener à Yaoundé pour parfaire son éducation.
Son oncle ayant appris la photographie auprès de militaires français et exercé dans l’armée continue cette activité dans les rues de la capitale camerounaise.
Il inscrit le jeune Michel à l’école, lui offre son premier appareil et l’incite à devenir photographe. Dès 1950 il lui enseigne les bases de la prise de vue, du développement et du tirage. La rue est le seul studio disponible à l’époque, il n’y avait pas encore de projecteurs au Cameroun. « Le studio était la rue, tout se faisait en lumière naturelle ».
Son oncle tombe malade de la tuberculose dans les mois qui suivent et Michel assure le travail de prises de vues en prenant le relais tous les jours à la sortie de l’école. Portraits d’identité sur rideau rouge au châssis presse sur la route.
À l’époque les seuls photographes formés au Cameroun sont français.
Quelques mois plus tard l’oncle malade décède et sa veuve décide de reprendre à Michel son appareil.

Il parvient en 1954 à faire ses preuves devant le préfet de Yaoundé et est missionné pour sillonner le Nord du pays et le Tchad afin de réaliser des portraits de la population. La France cette année là entreprend l’établissement de papiers d’identité dans ses colonies.
Il réalise des milliers d’images jusqu’à l’indépendance du pays en 1960 et les troubles générés. A cette époque établi à Ngaoundéré (Nord Cameroun), il arrive au début 1963 à Douala et auprès d’un photographe français, Mr Chevalier, apprend 6 mois le travail de photographe de studio, l’éclairage et le développement en chambre.

 Et le 23 septembre 1963 il ouvre son premier studio dans le quartier de la Briqueterie à Yaoundé qu’il occupe quatre ans avant de s’installer dans le Studio Kameni, toujours en activité, en face du précédent. Le milieu des années 60 marque le début de la photo souvenir. Le champ de la pratique photographique s’élargit. Les clients ne viennent plus uniquement pour des photos de pièces d’identité mais cherchent les photos de nyanga (de vantardise). C’est le début de l’ère des images personnelles. De celles que l’on envoie aux amis, aux proches, qui se retrouvent accrochées aux murs. Toujours un même tirage de 9×14, mais les clients les plus ravis peuvent commander des agrandissements.

C’est l’époque ou Papami commence à penser en pose et en composition. On sort enfin du champ restreint du portrait d’identité. Dans le studio ouvert tous les jours de l’année c’est l’effervescence. Il ne désemplit pas. Les clients sont citadins ou provinciaux en voyage découvrant les prises de vues en lumière artificielle.

Et la Briqueterie est un quartier bouillonnant de Yaoundé, haut lieu de regroupement pour les migrants des pays alentours. On retrouve sur les films de Papami autant de Musulmans en habits traditionnels que de Chrétiens partant au culte.

Mais son travail a vite dépassé les murs du studio et il lui est souvent arrivé de partir en reportage commandé armé de son Rolleiflex, au village pour des cérémonies d’intronisation dans des chefferies traditionnelles ou lors de surprise parties endiablées à Yaoundé́. Plus surprenant, il était fréquemment appelé lors de deuils par des familles souhaitant une dernière représentation d’un proche décédé.

Le parcours des archives est ponctué de nombreux autoportraits. « Une bonne cuisinière n’a aucune chance de réussir une sauce sans la gouter ! J’ai beaucoup testé sur moi avant de réussir sur les clients ».

 Pour Papami, la plus belle période du studio a duré de son ouverture jusqu’au milieu des années 1980. Les appareils reflex ont commencé à inonder le marché. C’est le moment des ‘photographes de carrefour’ qui œuvrent dans la rue. Les gens sont ravis d’avoir leur image prise à coté des monuments. Mais la décennie suivante est pire encore, les clients ne venant plus que pour des photos de formalités administratives. Papami perd progressivement l’usage de ses yeux au début des années 2000. Il est conscient de l’impact qu’a eu l’arrivée puis l’apogée du numérique sur les studios comme le sien.

Mais il claironne : « Mon plus beau souvenir, ça n’est que le présent. C’est de voir mon studio toujours ouvert. Malgré́ la maladie, il existe toujours. Le long des années, certains ont ouvert des studios dans le quartier. Mais tous ont fermé. Moi, je suis toujours ouvert ». ​

Comment se compose le fond de ce studio ? Quel type d’images peut- on y voir ?
Le fonds est particulièrement bien conservé, et ce depuis les débuts du studio. Chaque pellicule exposée a été archivée dans une enveloppe dédiée, qui précise le nombre de vues réalisées et la date. Je pense avoir vu pendant les plusieurs semaines que j’ai passé dans le studio environ 120.000 images, qui correspondent à la quasi intégralité des photographies réalisées en noir et blanc.
Le travail de Kameni est essentiellement du portrait, en lumière studio particulièrement bien construite. On y distingue les images type photos d’identité, et les photos dites Nyanga, ou de vantardise. Elles regroupent les scènes de beauté, de jeu, d’apparat. J’y vois dans chacune beaucoup de délicatesse, de douceur et d’humour.
Il a également réalisé une certaine quantité de reportages, dans le monde de la boxe ou pour des cérémonies rituelles. Une série qui s’étale sur de nombreuses années et qui me touche particulièrement est consacrée aux deuils. Il était appelé par des familles qui venaient de perdre un proche et mandataient un photographe pour établir un dernier portrait du défunt. Kameni faisait poser l’intégralité de la famille autour du corps pour un dernier instantané réunissant toutes les générations. Ces images détiennent une force évocatrice très troublante, son sens de la composition et ses références non conscientes à la peinture de la renaissance me troublent encore aujourd’hui.

Et si tu peux nous parler de l’évolution des images, en fonction de la société camerounaise ?
Dès les premières années du studio on sent l’influence occidentale, dans l’habillement, les accessoires présents dans les photos. Par exemple, cette formidable série de 1965, juste après la projection d’un film de John Wayne au cinéma. Tous les jeunes, hommes et femmes souhaitaient lui ressembler et Michel Kameni a dû se procurer un chapeau de cowboy et un revolver pour satisfaire ses clients.
On voit également la place importante de la religion et la représentation des deux monothéismes présents au Cameroun. Beaucoup d’images de baptêmes chrétiens et de musulmans en habits traditionnels.
Au fil des années on perçoit que le rapport des sujets à l’image, à leur image, s’apaise, fait place au jeu et à la légèreté, c’est une appropriation, l’affirmation de leur identité par la photographie.
La localisation du studio est importante. Le quartier Briqueterie de Yaoundé est un vrai carrefour. On y croise les citadins comme les provinciaux de passage dans la capitale. Et de nombreux étrangers car le Cameroun est une terre d’immigration ou l’on retrouve des citoyens des pays limitrophes.

On connaissait bien les studiotistes du Mali comme Seydou Keita ou Malick Sidibé ou encore les sénégalais comme Oumar Ly, en quoi la pratique au Cameroun s’en rapproche et s’en distingue ?
Il y a évidemment des similitudes nombreuses. Les formateurs de tous ces photographes, sans être les mêmes, avaient des références communes. Il y a beaucoup de bases partagées. Le travail de Michel Kameni s’inscrit au milieu de ceux cités plus haut, mais il a son écriture propre. Je le trouve techniquement à un niveau supérieur à de nombreux portraitistes de la même époque en Afrique de l’Ouest ou en Afrique centrale. Il existe dans ses portraits une approche très douce et empathique, une compréhension du sujet photographié et de ses attentes. Chacune de ses images est emplie d’une tendre émotion qui n’est pas due au hasard. Il savait parfaitement orienter ceux qui posaient devant lui.
Dans sa pratique, il a expérimenté beaucoup, a découvert seul des procédés de tirage notamment (surimpressions), qu’il est le seul à avoir utilisé et pérennisé.
Je me rappelle d’une anecdote amusante. Il y a deux ans j’étais assis chez Michel Kameni, j’avais apporté pour lui montrer, un livre de Sidibé et un de Keita. Il n’avait jamais entendu parler de leur existence ou de leur travail. Sa fille était assise à ses côtés. Ils ont été très surpris que ces deux photographes maliens l’aient copié…

Et le fond Kameni est il singulier au Cameroun ?
Il existe de nombreux autres photographes portraitistes au Cameroun qui ont travaillé à la même époque, notamment Jacques Toussele, ou Samuel Finlak et Joseph Chila. Les studios ont été très nombreux à une époque, pour quasiment tous disparaître.
Très fréquemment les archives ont été détruites ou jetées à la fermeture. Quand ce n’était pas le cas elles ont souffert des mauvaises conditions de conservation.
A mes yeux le fonds Kameni est unique en sa cohérence depuis les toutes premières images, la qualité technique rare des photographies, la poésie qui s’en dégage, l’engagement fort de photographe et l’innovation.

Comment envisagez -vous de faire vivre ces archives ? Exposition, livres ?
Le travail de Michel Kameni a été montré pour la toute première fois lors de la foire d’art africain 1:54 à Londres en octobre 2019. En janvier 2020 a eu lieu le vernissage d’une très grande exposition rétrospective à l’African Studies Gallery de Tel Aviv. Elle va rester accrochée jusqu’au mois de juin. En mars lors de la quinzaine de la photographie de Yaoundé les images de Michel Kameni seront présentées au Musée National du Cameroun.
Nous sommes avec Michel Kameni ouverts à des collaborations avec des galeries ou des institutions pour montrer ce travail au plus grand nombre. Un projet de livre est en cours, pour une parution courant 2021.
Le 9 février, pour marquer l’anniversaire des 60 ans de l’indépendance des premiers pays africains, le New York Times consacrera un dossier spécial sur l’influence que ces indépendances ont eu sur le continent et le reste du monde. Des penseurs issus de la diaspora post-indépendance vont écrire des textes originaux en regard avec des images sélectionnées pour l’occasion. Une image de Michel Kameni a été retenue par les éditeurs du NYT pour ce projet.

Studio Kameni from Ben H on Vimeo.

L’article Studio Kameni – Interview de Benjamin Hoffman est apparu en premier sur Afrique In Visu.

Pour cette édition, le Festival met en avant le portrait et l’uniforme à travers l’exploration des archives du photographe Jacques Toussélé (1939-2017).

Depuis sa création en Afrique, le studio photo s’est imposé comme le lieu de sociabilité des populations urbaines. Qu’il soit nomade ou sédentaire comme on le voit sur les images de Jacques Toussélé, cet espace a su construire des identités qui nous permettent aujourd’hui de regarder avec recul l’évolution de la société camerounaise.

Au Cameroun, chaque événement de la vie est ponctué par le choix d’un uniforme permettant de renforcer une appartenance à la communauté. Que nous parlions de l’uniforme scolaire, de la tenue spécialement conçu pour un mariage ou un décès, et l’uniforme militaire, à travers le travail de ce photographe, il s’agit de regarder ce qui nous réunit ou nous différencie afin de repenser le vivre ensemble à une époque ou l’individualité a pris le dessus.

Cette persistance dans le paysage camerounais de ce marqueur identitaire a le mérite de créer une cohésion sociale. En effet, avec l’uniforme on constate que certaines barrières sociales sont effacées au profit d’une recherche d’égalité des individus.

A propos de l’artiste :
Jacques Tousselé est né en 1939 à Bamessingué, dans la Région de l’Ouest du Cameroun. Il a appris la photographie auprès d’un photographe nigérien. Il travaillait à Bamenda pendant la Guerre bamiléké puis retourna à Mbouda, où il exerça son métier du milieu des années 1960 jusqu’au début des années 2000, au « Studio Photo Jacques ». Ses œuvres figurent dans les collections du Metropolitan Museum of Art à New York et du Carleton College. Son travail a fait partie de l’Endangered Archive Programme de la British Library.

FACE A FACE

Très vite après son invention, la photographie se consacre au portrait. Ce style qui trouve une continuité dans le selfie, tant adulé par une nouvelle génération de photographes amateurs, articule la relation que l’individu entretient avec la société. Car c’est par lui que l’on existe devant l’autre. Tout retentit dans le portrait, les conflits, le désir…

Cette proposition réunit le projet « Mon atelier photo » issu de l’atelier pédagogique réalisé avec les collégiens du Lycée Fustel de Coulanges et l’exposition L’Autres(s) de Florence Poirier Nkpa.

Mon atelier photo
Pendant le festival, des séquences pédagogiques seront proposées à un public de collégiens sur deux sites localisés dans le centre-ville de Yaoundé : le musée de la Blacktittude et le lycée Fustel de Coulanges,. Les activités explorent la thématique du portrait au travers de l’image de l’individu mise en scène dans les studios photos. Les élèves parcouru le sujet en découvrant les grandes étapes de l’histoire de la photographie africaine et se familiarisant avec l’univers de la prise de vue professionnelle.
Le département pédagogique du festival YAPHOTO est animé par trois enseignantes d’arts plastiques, Sarah Dauphiné Tchouatcha, Anne Garnier Dupasquier et Florence Poirier Nkpa.

L’autres(s)

Une proposition de Florence Poirier Nkpa (2 images)

Au cours de mes voyages j’ai fais des rencontres… beaucoup. Depuis je vois l’AUTRE avec ses différences mais aussi parce qu’il me ressemble…et c’est à travers moi-même, avec comme a priori mes idées, que je m’invente tout autant que celui que je découvre. Dans l’instant de la rencontre, trois représentations s’entremêlent pour laisser apparaître celui que j’ai a en face. Il existe pour ce qu’il me donne à voir, pour ce que j’imagine de lui et pour ce qu’il est réellement…

Tel un DJ le fait avec des sons, je me permets de mélanger le beau, le laid, les origines, les références identitaires et stylistiques qui, dans un tourbillon de formes, de couleurs et de signes graphiques, défigurent le physique humain jusqu’à ce que la question de mon identité propre trouve de moins en moins de critères de reconnaissances : ni sexe, ni âge, ni couleur, ni expression auxquels se raccrocher, mais simplement des références qui détruisent réellement mon image et pour la reconstruire virtuellement à l’image de l’Autre.

SOUFFLES, BREATH PROJECT

Ana Bloom a imaginé une série de photographies qui jouent avec la surface de l’eau. « Souffles, Breath project » (work in progress) s’écrit grâce à des rencontres effectués par l’artiste lors de ses déplacements dans différentes régions du globe. Le résultat de ce dialogue entre le modèle et artiste se révèle avec poésie tant y cohabitent des contrastes exacerbés et des lignes floutées par des bulles de souffles de vies. Le spectateur est alors saisi par les différentes émotions qui s’imposent à lui à travers ses portraits dont qui nous transporte vers différents aspects de l’humanité : la mort, la vie, le souffle, l’apnée, la souffrance, la libération.

Cette exposition est présentée à l’Institut Français

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EXTRAITS DE TRAVAUX D’ARTISTES

Sarah Dauphiné Tchouatcha (CAMEROUN /FRANCE)

Ce travail est une séquence de dix images qui proposent la relecture bi médium, entre répliques analogiques et numériques, d’une séance photographique réalisée au début des années 90, et dont voici le contexte :
Janvier 1992, je vis alors en France où je suis élève en troisième année de l’école des Beaux arts de St Étienne. À cette époque, je mène un travail d’exploration artistique entre moyens photographiques et picturaux…
Un jour, Ba to me propose de venir photographier son atelier. Gratifiée par la proposition, j’accepte spontanément, nous prenons rendez vous un matin de janvier. La séance s’écoule sur quelques heures au rythme des sons mécaniques du déclencheur sur une pellicule Tmax de 36 poses.

Ce corpus d’images a pour vocation de nous immerger progressivement dans les souvenirs matériels et immatériels d’un instant photographique important, celui du déclic qui révèle l’image de Bato et qui fut publiée dans la Revue Noire en 1994. Le portrait a pour vocation de donner un visage à son sujet et son auteur, pour moi il en est autrement puisque cette publication se présente sans son crédit photographique. L’élément de marquage pourtant naturel et indispensable, me plonge jusqu’à aujourd’hui dans l’anonymat du monde artistique présenté dans cet ouvrage. Je voudrais parler enfin de cette œuvre photographique silencieuse qui me refuse le droit d’exister comme auteure depuis 1994.

Aussi, afin d’exhumer et reconstruire la mémoire de cette image, je me réapproprie chaque cliché en les développant un à un et choisie de confondre les procédés dans de multiples couches. À l’image du petit trouble persistant de mon histoire d’artiste, Je construis des œuvres dans lesquelles s’entremêlent objets photographiques matériels et immatériels.
Le portrait initialement conservé sur un négatif, devient tour à tour cyanotype, pixels et estampes … Le fil conducteur de cette série se matérialise par les nuances de bleus qui expriment les exercices d’écriture du novice en construction. Dans ce travail, je tente de reconstituer un ensemble de pièces et de construire les traces de ce souvenir, des images artistiques réparatrices et témoignant de la rémanence de la petite histoire personnelle d’une inexactitude persistante.

Biographie :

Sarah Dauphiné Tchouatcha est née en 1969 à Besançon, en France. En 1989 elle entre à l’école des Beaux-Arts de Saint Étienne. Après deux années d’études artistiques générales elle hésite entre l’architecture et la photographie. Son choix se portera finalement sur une option art avec un intérêt persistant pour les sujets illustrant les jeux de lignes.
Installée depuis seize ans au Cameroun, elle enseigne les arts plastiques au lycée français de Yaoundé. Pendant son temps libre, elle observe les multiples mutations de la société camerounaise et en témoigne à travers un travail d’exploration artistique. Un regard discret mais sensible, qui s’exprime sous deux formes, la photographie et la vidéo.

David (Ditoma) Kadoule (TOGO)

Faire de la photographie pour moi est une façon comme tant d’autres de m’exprimer, d’attirer l’attention ou tout simplement de raconter ou partager les histoires quotidiennes qui m’intéressent et que j’ai eu l’occasion de découvrir.

J’ai pour principe de documenter tout en essayant de mettre l’accent sur les relations, les expressions et les comportements, toutes ces caractéristiques qui déterminent l’identité d’une personne, cela expliquerait en quelque sorte ma préférence pour le portraits.

La série de photos que je présente est issue de mon voyage à Medellin en Colombie. Dans cette série qui date de 2017, on peut clairement constater l’impact qu’ont eu les stupéfiants sur toute une culture depuis des générations et c’est là qu’on entre dans la thématique proposée.
Rémanence dans le sens où un pays comme la Colombie a passé une période de plus de quatre décennies à mener une lutte contre les violences occasionnées notamment par les trafics de drogues, et par ailleurs heureusement ce pays est passé aujourd’hui d’un des plus dangereux du monde à un des pays les plus agréable sans pour autant réussir à éradiquer ce qui était considéré comme l’ennemi numéro un.

Rémanence aussi dans le sens où aujourd’hui on peut remarquer la présence et je dirais même l’intégration dans la culture quotidienne des jeunes générations de ce passé qui joue un grand rôle par rapport à l’état actuel de cette communauté. Et tout cela se voit clairement dans la série ici proposée.

Biographie :

J’ai commencé la photographie en racontant ce qu’il se passait autour de moi à Lomé : cérémonies, portraits urbains, vie nocturne avec mes amis (série projetée dans le cadre de YaPhoto)… C’est dans une grande complicité et proximité avec les gens que je travaille le mieux. Le portrait m’intéresse tout particulièrement, ainsi que la mode. Après une première résidence à
Dakar (2016), j’ai participé aux Récréatrales (Ouagadougou) : une série de portraits d’artistes a été publiée dans le catalogue du festival. En avril 2017, à Medellin (Colombie) pour le projet Fictions Ordinaires (un spectacle dans l’espace urbain construit à partir de récits des habitants d’un quartier de déplacés de guerre), j’ai photographié la vie des enfants et des jeunes du quartier. En novembre 2017 j’ai été stagiaire à la Biennale photo de Bamako. Je m’intéresse aujourd’hui à des sujets plus profonds, notamment les questions de migration et les raisons, quelqu’elles soient, qui poussent les gens à partir (ou à rentrer). Pour ce projet intitulé Exils, j’ai mené des recherches en Gambie et en Casamance avant d’être en résidence à la Cité Internationale des Arts (Paris) au printemps 2018 et 2019. C’est un travail que je souhaite exposer dans l’espace urbain à destination des habitants à Dakar et ailleurs.

Yvon Ngassam – CAMEROUN

Le Cameroun tout comme une grande partie des pays africains victimes de la colonisation a vu une partie de son histoire modifiée, voire falsifier par le colon. Cette histoire biaisée, rédigée par ceux qui avaient la technologie de l’archivage a pour objectif de nous soumettre à une forme plus pernicieuse de la colonisation celle dite culturelle.

Comment résister ? Comment cette génération, celle noyée dans la technologie, le capitalisme, les religions importées peut-elle résister, se définir, se reconstruire ? Comment cette Afrique peut-elle contribuer à l’avancée du monde si elle ignore la quintessence de ce qui la définie ?
L’installation multimédia « MÉTCHÉ : La voix de la résilience » propose nos pratiques religieuses et spirituelles ancestrales comme une source de résilience, de décolonisation par la spiritualité.
Une rémanence de ce lieu rempli d’histoire, les chutes de la MÉTCHÉ, où s’élève ces voix qui témoignent d’une histoire qui ne veut pas être noyée dans les méandres d’un passé manipulé et instrumentalisé par les puissances coloniales. L’histoire de nos résistants appelés maquisards.
La résilience que nous pouvons atteindre à travers nos pratiques spirituelles ancestrales.

Biographie :

Né en 1982 au Cameroun où il vit et travaille, le plasticien Yvon NGASSAM est timidement arrivé aux arts visuels en passant par la musique urbaine (producteur de beats avec son label FREEK’1 Entertainment). Sa curiosité et son appétence de connaissances dans le domaine de l’art vont progressivement le mener à des rencontres qui vont changer le cours de sa carrière. Originaire de la région de l’Ouest Cameroun, il s’inscrit à l’université de Ngaoundéré en faculté d’économie et de gestion (dans la partie septentrionale du pays) après l’obtention de son baccalauréat en mathématiques et physique. Mais quelques temps après, le désir d’étancher sa curiosité grandissante le fait partir de cette partie du pays et attire Yvon vers l’ailleurs. Toujours en quête de savoirs mais plus encore, de savoir-faire, Yvon s’inscrit à l’école de l’auto-apprentissage, notamment en cumulant les expériences de terrain, dans le domaine du cinéma où il se frotte grâce à des sollicitations extérieures, à la caméra, mais de manière beaucoup plus professionnelle. Il réalisera avec le photographe Hervé DANGLA de passage au Cameroun, peu avant et pendant la triennale SUD (Salon Urbain de Douala), dans le cadre du projet « Carnet de villes », des mini documentaires sur la cohabitation nature/bâti qui l’amèneront à s’intéresser davantage à l’importance de la photographie ou du documentaire comme trace du temps. L’artiste s’exprime à travers la photographie, la vidéo d’art, le son et la sculpture depuis peu. Yvon NGASSAM a fait partie de la sélection officielle du DAK’ART 2018, commissariée par Simon NJAMI. Son travail explore plusieurs champs thématiques, comme la mémoire (dans son versant historique et anthropologique), le corps, l’espace, le voyage.

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A PROPOS

YaPhoto naît du désir de favoriser l’éclosion de nouvelles esthétiques autour dl’image contemporaine au Cameroun et plus particulièrement dans la ville de Yaoundé.

YaPhoto s’attache à promouvoir la créativité de la scène artistique camerounaise en mettant en visibilité des photographes et vidéastes émergents.

Conscient des enjeux de l’image et des transformations prescrites par le numérique, le festival interroge les mutations esthétiques et culturelles de nos sociétés influencées par les nouvelles formes de l’image et de sa diffusion.

YaPhoto est également conçue comme une plateforme à partir de laquelle professionnels et amateurs sont invités à repenser le statut de l’image et son exploitation sous tous ses aspects.

YaPhoto Festival a pour objectif de pérenniser et de soutenir la visibilité de cette scène à l’échelle nationale et internationale. Les deux premières éditions pilotes « Ce que nous voyons » (2016) et « Figurer le présent » (2017) sous le commissariat de Christine Eyene ont impulsé un état de lieux de la photographie artistique au Cameroun.

PROGRAMMATION

Cette 3^ème édition est placée sous la thématique de la Rémanence.

L’exposition internationale, présentée dans la galerie d’Art contemporain Yaoundé, réunit les travaux de 17 photographes et 3 vidéastes dont la sélection artistique a été faite à partir d’un appel à candidature.

Artistes

Photographes :

• Mbadimma Chinemelum (Nigéria)
• Nicolás Combarro (Espagne)
• Sarah Dauphiné Tchouatcha (France/ Cameroun)
• Blaise Djilo (Cameroun)
• Lionel Richy Ebongue (Cameroun)
• Chantal Edie & Zacharie Ngnogue (Cameroun)
• William Gaye (France)
• Delio Jasse (Angola)
• Ditoma Kadoule (Togo)
• John Kalapo (Mali)
• M’hammed Kilito (Maroc)
• Daniel Kukla (USA )
• Wilfried Nakeu & Chaima Zaar-Fouri (France et Maroc)
• Pierre Ndjami Makanda (Cameroun)
• Alain Polo (RDC)
• Georges Tankam (Cameroun)
• Sibusiso Tlhabadira (Afrique du Sud)

Vidéastes :

• Megan-Leigh Heiling (Afrique du Sud)
• Max Mbakop (Cameroun)
• Yvon Ngassam (Cameroun)

Au Musée national de Cameroun, l’exposition Flashback a pour vocation de mettre en lumière les archives de photographes et d’institutions publiques ou privées. Elle interroge sur la conservation et la valorisation du patrimoine photographique. Pour cette édition, le festival met en avant les archives du photographe Jacques Toussélé (1939-2000).

En parallèle de cette exposition, un projet spécial est présenté « Planting trees in désert » du photographe Xavier Bourgois. Cette carte blanche pour le HCR met en lumière l’enjeu, mais aussi les acteurs et premiers bénéficiaires de ce grand projet environnemental : les réfugiés et les populations hôtes.

Exposition réalisée grâce au soutien du HCR Cameroun.

L’Institut Français de Yaoundé accueille l’exposition « Souffles, Breath project » de la photographe Ana Bloom.

Au Goethe Institut, est présenté le projet Berlin West de la photographe Eva Maria Ochenbauer. Sous le commissariat de Landry Mbassy, ce projet témoigne de la « subculture » (culture underground) qui a fait de Berlin-Ouest des années 80, un lieu mythique car extrêmement dynamique et productif d’expressions artistiques toujours plus exubérantes les unes que les autres. Au départ, cette dynamique insufflera un vent de glamour mais qui progressivement, cèdera la place à la maladie, à la décadence et à la mort.

Au Lycée Fustel de Coulanges, l’exposition Faces réunit deux propositions conçues spécialement pour le YaPhoto Festival :

• Mon studio photo est un projet d’atelier réalisé par les élèves du collège autour du portrait et du studio photographique qui revisite l’histoire de la photographie africaine, et coordonnés par Sarah Dauphiné-Tchouatcha, Anne Garnier Dupasquier et Florence Poirier Nkpa.
• Un projet de Florence Poirier Nkpa « Au cours de mes voyages j’ai fait des rencontres… beaucoup. Depuis je vois l’Autre avec ses différences mais aussi parce qu’il me ressemble… et c’est à travers moi-même, que je m’invente tout autant que celui que je découvre. Dans l’instant de la rencontre, trois représentations s’entremêlent pour laisser apparaître celui que j’ai en face. Il existe pour ce qu’il me donne à voir, pour ce que j’imagine de lui et pour ce qu’il est réellement… »

Enfin, au Musée de la Blacktitude, le YaPhoto festival, en collaboration avec l’association « vus d’Afrique » proposera aux jeunes publics camerounais des ateliers pédagogiques autour de la photographie artistique.

Nous remercions tous les partenaires qui rendent possible cette édition par leur soutien qu’ils apportent dans la bonne réalisation de ce festival.

Pendant la semaine professionnelle des conférences, ateliers et workshop seront organisées à la GACY, Goethe Institut et à la Galerie d’art contemporain de Yaoundé.

EQUIPE DU FESTIVAL

• Directeur du festival : Landry Mbassi
• Directeur artistique Yves Chatap
• Assistante commissaires : Sarah Dauphiné-Tchouatcha
• Régisseur : Patrick Ngouana
• Graphiste : Julien fouejeu
• Chargée de communication : Aurélie Mantea

CONTACT

Email : Yaphoto.cm@gmail.com – presse.yaphoto@gmail.com
Facebook : YaPhoto Festival

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Pour lutter contre les incursions récurrentes de Boko Haram, le gouvernement du Cameroun a considérablement renforcé sa présence militaire dans l’Extrême-Nord. Les forces de sécurité y jouent ainsi un rôle important en assurant la sécurité des populations.

Pourtant, ces populations ont payé un lourd tribut dans les opérations militaires contre Boko Haram : en effet, la réaction brutale des forces de sécurité a occasionné de nombreuses violations des droits humains contre les populations qu’elles sont censées protéger.

C’est ainsi que le 27 décembre 2014, une opération de ratissage conjointe menée par l’armée, la gendarmerie et la police, a tourné au désastre pour les habitants de Magdeme et Doublé, deux villages de l’Extrême Nord. Ce jour-là, ces villages ont été mis à sac par les forces de sécurité : au moins huit personnes y ont perdu la vie et plus de 130 garçons et hommes ont été emmenés de force sans jamais réapparaître. Les autorités ont seulement déclaré quelques mois plus tard que 25 personnes parmi celles arrêtées ce jour-là avaient perdu la vie dans des cellules de fortune de la gendarmerie de Maroua, chef-lieu de la région de l’Extrême Nord du Cameroun. Ni leur identité, ni la cause de leur décès n’ont été communiquées.

Aujourd’hui, les familles de ceux qu’on appelle désormais «les disparus de Magdeme et Doublé» continuent de demander que le sort de leurs parents disparus et l’identité des personnes décédées en détention soient révélés par les autorités camerounaises. Un premier pas avant d’essayer d’obtenir justice un jour.

Comment raconter l’histoire de ces personnes disparues tout en préservant l’anonymat de leurs proches qui ont accepté de témoigner pour éviter d’éventuelles représailles à leur égard? Cela sans pouvoir montrer leur environnement, inaccessible aux étrangers. C’est le défi que l’artiste et photographe Vincent Tremeau a relevé lorsqu’il a rencontré avec Amnesty International les habitants des villages de Magdeme et Doublé.
Dans un lieu discret de Maroua aménagé en studio photo, les familles ont apporté quelques photos souvenirs et des cartes d’identité, comme pour prouver l’existence de ces âmes aujourd’hui introuvables mais qu’ils ne désespèrent pas de retrouver un jour.
A l’aide de ces photos, l’artiste a reconstitué les visages des disparus en fabriquant sur place des masques en papiers mâchés. Portés par leurs proches, ces masques ont permis à chacun d’incarner, l’espace d’un instant, un père, un fils, un mari, un cousin, un neveu, un beau-frère, un meilleur ami, et de raconter son histoire et ce qu’il s’est passé ce jour là.

Toutes les personnes témoignant masquée ont le même récit de ces évènements, voici l’un d’entre eux :

« Le 27 décembre 2014, des coups de feu ont retenti dans le village. Tout le monde s’est mis à s’enfuir pensant que c’était les combattants de Boko Haram. Puis, en voyant arriver l’armée camerounaise nous nous sommes sentis rassurés, en sécurité et sommes retournés au village. A notre grande surprise, les militaires sont rentrés dans les maisons, en cassant toutes les portes pour les ouvrir et nous ont ordonné de sortir. Ils nous ont obligés à les suivre au centre du village, où ils avaient réuni tous les habitants. Les militaires nous ont alors demandé de nous coucher par terre sur le ventre, et ont commencé à fouiller tout le monde. Ils voulaient vérifier s’ils avaient leurs pièces d’identité sur eux. Mon fils avait le récépissé de sa carte d’identité nationale dans sa poche. Mais les militaires l’ont pris. Les militaires ont ensuite désigné des hommes et des garçons au hasard. Ils les ont frappés, trainés par terre, puis déshabillés. Ils ne leur ont laissés que leurs pantalons. Ils les ont ensuite fait monter dans leurs camions. C’est la dernière fois que nous les avons vus. La dernière fois que j’ai vu mon fils. Je n’ai pas pu voir le visage de mon fils lorsque les militaires lui ont ordonné de monter dans leurs camions. J’avais tellement peur de lever la tête car ils pointaient leurs fusils sur nous. Avec les contrôles et fouilles fréquentes des militaires, nous avions l’habitude de garder en permanence sur nous nos pièces d’identité, acte de naissance, carte d’électeur. Il faut avoir au moins une pièce d’identité sur toi car si tu n’en as pas, tu es soupçonné d’être un Boko Haram. et ils t’embarquent. C’est parce que les Boko Haram n’en n’ont généralement pas.

Depuis ce jour, je n’ai plus revu mon fils ni reçu aucune nouvelle de lui. Nous avons cherché ceux qui ont disparu dans toutes les prisons de la région, mais sans succès. Chaque fois que nous nous rendons en prison, les gardes nous disent que nos proches ne sont pas là et nous demandent de nous en aller. Sans rien dire de plus.

Tant que les autorités ne nous diront pas si nos parents sont morts et où ils auraient été enterrés, nous ne désespèrerons pas et continuerons à les chercher jusqu’à obtenir une réponse. »

Propos recueillis en aout 2016 avec Amnesty International

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CN : Landry, vous êtes basé à Yaoundé et vous avez choisi comme co-fondatrice de Yaphoto Christine Eyene qui est basée à Londres, pourquoi avoir fait ce choix de personnalité ?

L : Ceci relève à la fois du hasard (j’ai fait sa connaissance de manière fortuite dans un bus lors du SUD 2010 à Douala) mais aussi, de la chance que nous avons de partager un certain nombre d’idées d’ordre sociale et esthétique…mais d’avantage, de la volonté manifeste qui caractérise ces deux personnalités que nous formons, quant à développer des choses au Cameroun. Christine et moi sommes en conversation depuis 6 ans sur ce projet. Lorsque je l’ai rencontrée, présentée par Yves Chatap, elle semblait s’intéresser à la scène au pays, contrairement à certains à qui cette scène ne dit rien ou n’est qu’un faire-valoir. Je lui ai alors présenté ce projet qui n’était qu’à sa phase embryonnaire. Elle a tout de suite accroché. Et nous avons commencé ce dialogue qui a pris du temps à éclore, mais qui finalement, prouve qu’il fallait laisser mûrir les choses et qu’il était important qu’un tel projet se fasse ici.

CN : Landry et Christine, vous êtes à l’initiative de la plateforme photographique Yaphoto. Pouvez-vous nous en dire davantage sur la naissance de ce projet, les objectifs et le concept de cette plateforme ?

L et C : Yaphoto naît du constat d’absence de lieux de diffusion et de promotion autour de la photographie au Cameroun et par conséquent du faible taux d’adhésion ou d’engouement chez les jeunes photographes camerounais à produire des œuvres en dehors du « champ commercial » qu’impose la pratique dans un tel contexte ( le lot quotidien de la quasi majorité de ces jeunes) et donc de la volonté de susciter un intérêt autour de la pratique photographique dite d’auteur et d’offrir, à terme, une plateforme qui leur permette de s’exprimer en diffusant leurs travaux. Mais, il s’agit également d’intéresser la scène internationale et de créer un pont entre ce qui se fait localement et ce qui se fait ailleurs.

CN : Le site internet Yaphoto.co existe depuis septembre 2016, pourquoi avoir créé cette nouvelle plateforme en ligne ? En quoi est-elle importante au Cameroun ? Pourquoi la naissance de ce projet au Cameroun a du sens ?

L et C : Ce projet ambitionne de relever le niveau d’intérêt accordé à la photographie au Cameroun. (qui considéré de manière globale est assez indigent). S’il faut rester honnête, la création en elle-même est peu dynamique, les lieux d’expositions et les financements n’existent pas, le discours critique n’en est que très affaibli, sinon défaillant…ce qui n’est pas sans avoir de conséquences à l’international. Au niveau continental par exemple, peu de candidatures ont été reçues à Bamako, pour ne citer que cette manifestation. Pourtant, côté diaspora, les noms de camerounais ne tarissent pas (d’éloges). De Samuel Fosso à Angèle Etoundi Essamba en passant par Samuel NjaKwa, il y a de la matière. Nous souhaitions tout d’abord créer une synergie entre les photographes et donner l’occasion à cette pratique timide d’exister autrement, mais, surtout, d’exister avec ses qualités et ses faiblesses. Car chaque contexte, en fin de compte, a ses particularités. La création d’une plateforme en ligne résout pour nous la double question des lieux de diffusion et des contenus esthétiques : elle présente autant qu’elle représente une scène et ses acteurs. Simultanément.

L et C : Le comité est composé de collègues avec qui nous entretenons un dialogue professionnel depuis de nombreuses années , avec lesquels nous avons déjà collaboré ou pas, mais surtout qui jouent un rôle déterminant dans la recherche, le soutien et la diffusion de la création contemporaine africaine. Nous le tenons informé du développement de YaPhoto. Dans cette première phase, notre rapport est basé sur l’échange et le conseil. À mesure que YaPhoto se consolidera, le rôle du comité lui aussi évoluera.

CN : Combien de photographes rassemble YAPHOTO ? Comment les choisissez-vous ? Quel rôle a le comité dans le choix ?

L et C : Le site figure actuellement les portfolios de six photographes camerounais mais nous sommes en discussion avec près d’une dizaine de photographes dont nous suivons l’œuvre. Nous travaillons avec eux au photo-éditing et à la rédaction de textes interprétatifs. Le site YaPhoto est ouvert aux photographes camerounais, aux internationaux résidant sur le territoire tout comme aux membres de la diaspora camerounaise. Le comité de conseil n’intervient pas dans nos choix. C’est l’équipe YaPhoto qui sélectionne les séries sur la base de la qualité et la pertinence des images, tant au plan technique et esthétique que documentaire ou conceptuel. Le site nous sert aussi de plateforme pour identifier des photographes avec qui d’autres collaborations locales et internationales peuvent être développées dans le cadre de YaPhoto et au-delà.

CN : En 2017, qu’en est il selon vous de la photographie contemporaine en Afrique ? Quel état des lieux faites-vous ?

L : D’un point de vue personnel, pour ce qui est de la photographie africaine, je pense que ce qui se passe en Afrique est comparable au chamboulement d’après-crise de 1929 et les transformations (à tous les niveaux) qui se sont produits dans le monde. Je voudrais supposer une « révolution esthétique », même si le terme me semble être érodé. Mais, la pratique actuelle de la photographie en Afrique, qui n’a évidemment pas jouit – et c’est tout à fait logique – du même parcours historique et critique qu’en Europe et dans le reste du monde, semble s’être totalement affranchie d’un certain nombre de préjugés et d’aprioris. Et le plus surprenant est la vitesse à laquelle, les créateurs et autres auteurs africains se sont « acclimatés » à ce nouveau vent. Pour me résumer, je dirais qu’elle est prometteuse et de nombreux projets dont celui du Nigérian Emeka Okereke (Invisible Borders), de l’éthiopienne Aida Muluneh (Addis Foto Fest) ou encore celui de Peter Di Campo et Austin Merill (the everydayafricanproject sur Instagram) pour ne citer qu’eux, témoignent de cette dynamique et de cette effervescence.

CN : Comment le secteur de la photographie se structure t-il sur le continent ? au Cameroun ?

L : Au Cameroun, le secteur de la photographie est assez pauvrement structuré. Point de comparaison, mais s’il fallait regarder un tantinet chez le voisin le plus direct le Nigéria, c’est comme si l’on avait à faire à deux pays situés à des années-lumière l’un de l’autre. Exit l’intérêt pécuniaire lié à la pratique, et les positionnements sociopolitiques des uns et des autres (au sein de tel ou tel syndicat ou groupe), aucune plateforme ne porte haut les intentions de ceux qui s’essayent à une autre démarche que celle qui fait la quasi unanimité chez les collègues. C’est dans ce contexte que nous nous sommes réunis en 2011, Rodrigue Mbock, Em’kalEyongakpa et moi-même, pour créer le Collectif Kamera. Un collectif dédié à la promotion de la pratique d’une photographie plus expérimentale et donc plus artistique, que commerciale. De 2013 à 2015, sous ma direction, nous avons organisé grâce à la rencontre du photographe malgache Nicky Aina (du Collectif Oxygénious) qui s’installait au Cameroun, des formations à destination de jeunes photographes qui désiraient améliorer leurs aptitudes techniques. D’autres activités du même ressort se sont tenues à l’Institut français du Cameroun toujours en collaboration avec le collectif Kamera, sous la direction du photographe français Hervé Dangla (qui bénéficiait de l’appui de l’Institut français de Yaoundé). Ces croisements ont permis d’ouvrir des pistes à plusieurs jeunes photographes qui font leurs preuves sous d’autres cieux aujourd’hui.

CN : Comment YAPHOTO traite la question des archives ?

L et C : La question des archives est en effet d’une importance capitale dans une telle initiative. Surtout dans un tel contexte où l’importance de l’archivage n’est toujours pas considérée à sa juste valeur. Mais le projet n’est qu’en phase de lancement et nous n’avons pas encore de projet dédié à ce pan. Il était important pour nous, dans un premier temps, d’ouvrir une petite fenêtre sur la pratique en elle-même. Pour autant, nous ne nous détournons pas de ce volet. Nous avons des projets dans ce sens que nous dévoilerons certainement dans les mois à venir.

CN : Quelle place a la formation des photographes dans votre concept ?

L : Ce que nous valorisons tout d’abord, c’est la créativité avant la technicité. Pour autant, nous ne négligeons pas cet aspect et nous intéressons à la capacité pour les jeunes photographes avec qui nous sommes en dialogue, de mener des recherches esthétiques en profondeur sur des sujets de leurs choix, tout en leur apportant une certaine « expertise », lorsque besoin est, sur le plan technique. Des ateliers sont prévus dans ce sens. Christine en a donné l’été dernier, lequel a d’ailleurs abouti à l’intention curatoriale de l’édition pilote. En outre, nous nous intéressons aussi à la formation des critiques et des journalistes qui présentent tout aussi un intérêt pour les métiers de l’image.

L : L’homme – philosophiquement parlant – est par essence, multitâche. Les conventions sociales tendent trop souvent, à le réduire à une contenance mono systémique. J’ai la chance et la grâce de pouvoir créer des œuvres (besoin que j’éprouve depuis ma tendre enfance). Je suis devenu critique et commissaire par engagement. Un « pacte social ». Donc une nécessité ! Je pense en effet que j’aurai été moins enclin à arborer cette double casquette si j’étais né ou si j’évoluais ailleurs que sur ce territoire. Quand on vit dans ce genre de contexte, et qu’on est constamment aux prises avec des esprits peu ouverts ou peu favorables à la création, il se passe automatiquement, quelque chose. On se sent obligé – si on est conscient de l’enjeu et qu’on en a les capacités – d’éduquer, d’informer, de jouer les médiateurs, en sus d’être un artiste soi-même. J’ai ainsi commencé à m’intéresser à ces autres volets du système de la création lorsque je me suis rendu compte que les jeunes qui arrivaient après nous manquaient de « direction » et lorsque j’ai pris conscience des difficultés inhérentes à la médiation dans le champ de la création contemporaine (en arts visuels). Les mentalités, au demeurant étant assez réfractaires, j’ai pris la résolution de jouer ma partition pour amener ma pierre à l’édifice. Le chantier est bien vaste mais, je tiens debout.

CN : Comment envisagez-vous le futur de la photographie contemporaine en Afrique ?

L et C : Des choses se dessinent à l’horizon. Portées par une énergie engageante. Les Rencontres de Bamako ont permis de réaliser à quel point ce médium pouvait être extensible à souhait. Le temps aidant et l’ère technologique hyper robotisée et active s’y mêlant, un nouveau discours a émergé, remettant alors en cause des pratiques répétitives et redéfinissant (sondant) le propos même de la photographie, comme pratique artistique à part entière ou simplement comme geste créatif. De Johannesburg à Lagos, en passant par Marrakech ou Lubumbashi, la photographie s’inscrit désormais comme une activité forte de valeurs et son champ pictural a largement dépassé les territoires que lui assignait la technologie et les hommes, il y a encore quelques années. La photographie africaine – et de manière générale, la photographie – est un médium qui se redéfinit continuellement. Créant à la longue, des techniques et des styles aussi multiples qu’antithétiques.

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Rosario, pouvez-vous nous en dire davantage sur la naissance de votre association et ses objectifs ?

Nous ne sommes pas une plateforme photographique mais nous sommes une association de droit suisse. J’ai rencontré Jürg au Burundi en 2007. Nous avons travaillé ensemble dans les archives de l’agence burundaise de presse à Bujumbura et parallèlement sur un projet sur les studios photos des quartiers périphériques de la ville. Le projet s’est clôturé par une exposition à l’Institut français du Burundi et par une publication. Nous aimons la photographie, Jürg est historien de la photographie africaine, et moi passionnée et diplômée d’un master en photographie, mais l’association que nous avons crée s’intéresse principalement aux archives photographiques. Nous soulevons la problématique spécifique de la conservation des archives photographiques et nous travaillons sur des projets de protection et préservation des archives en Afrique.

En effet, en février 2016, vous avez fait à partir des archives de Buea, une exposition à l’Institut français de Yaoundé, intitulée la vie quotidienne au Cameroun des années 60-70. Quelle a été la réaction du public ? 

Cette exposition a été un succès total. Les personnes ne sont pas habituées à voir des photos anciennes si belles. Cette exposition a permis de rendre hommage au peuple du Cameroun (Hommes et Femmes était le sous-titre). Le public s’est identifié à la génération précédente. Cette exposition a été une réaffirmation positive de la fierté et de la dignité des camerounais à travers des images très belles des années 60, qui appartiennent à la collection de l’archive de presse de Buea.

Quelle place faites-vous à la formation des photographes dans votre association ?

Il y a de grands photographes camerounais qui forment les jeunes à Yaoundé et à Douala. Nous ne formons pas les photographes. Notre programme « learning » comprend deux volets. D’une part, lorsque nous travaillons dans les archives nous cherchons à impliquer les responsables, nous les formons à la digitalisation, et à la protection des archives. D’autre part, dans le cadre du Centre des Etudes Africanistes de l’Université de Bâle nous menons de séminaires de recherches sur le terrain avec les étudiants de master spécialisés dans le domaine de la photographie et des archives.

Cette tradition de studio au Cameroun a disparu ?

Oui au Cameroun et partout en Afrique. On perd les photographes et ça me rend très triste car il n’y a pas de relève. Les enfants de Cyrille Doualla sont en France. Les studios « classiques », qui ont permis de faire connaître et introduire la photographie africaine dans les circuits « occidentaux » sont en train de disparaître. A Douala, il y a des petits studios contemporains dans tous les quartiers, mais ils pratiquent désormais la photographie numérique. Ce n’est plus le même esprit. Les temps ont changé. Aujourd’hui tu peux te faire photographier et par la magie d’un montage avec photoshop tu te retrouves dans une jaguar. (rires)

En 2017, qu’en est il de la photographie contemporaine en Afrique ? Quel état des lieux faites-vous ?

Il y a beaucoup d’initiatives photographiques en Afrique aujourd’hui : des festivals, des biennales, au Mali, en Ouganda, à Addis-Abeba, à Lagos, à Lubumbashi… Il y a un énorme boom dans ce sens là. De nombreux curators africains participent aux plateformes internationales. Mais peut-on véritablement parler d’une photographie africaine quand il y a des photographes qui habitent en Afrique mais qui ont étudié en Europe, des photographes africains qui vivent en Europe, et des photographes européens qui vivent en Afrique… ?

Les archives ont-elles une place importante dans le travail des artistes contemporains ?

Les artistes contemporains qui utilisent les archives dans leurs œuvres sont trop rares. Il y a quand même quelques grands noms. Je pense à Joël Andrianomerisoa ou à Sammy Baloji. Mais dans les nouvelles générations qui vivent en Afrique, les artistes ne s’intéressent pas vraiment à utiliser les archives dans leurs œuvres. Nous avons lancé un programme intitulé Reinterpreting Historical Photographs, qui est maintenant à sa troisième édition, et malgré nos encouragements pour la participation des artistes locaux, nous remarquons que ce sont presque toujours des artistes occidentaux qui y participent.

Lors de la présentation de la déclaration de Yaoundé, en novembre 2016, il y avait 50 signataires, combien y a-t-il de signataires à ce jour et qui sont-ils ?

La Déclaration de Yaoundé est conçue comme une pétition. Aujourd’hui, nous comptons 120 signataires. Parmi lesquels 64 sont des institutions internationales comme Photothek des Kunsthistorischen Instituts (Florence), University of Arts of London, University of Zurich, University of the Witwatersrand, Johannesburg, International Council on Archives, University Düsseldorf, Kultuforum Sud-Nord, Cotonou, University of Oxford, University of Barcelona, The Royal Photographic Society, University of Arizona, Museum of Fine Arts, Boston, Humboldt-Universität Berlin … L’autre moitié compte des personnalités camerounaises liées à l’Université de Yaoundé I.

Comment réagissent les institutions, le gouvernement à cette déclaration ?

La Yaoundé Déclaration est un prétexte pour parler de la responsabilité des gouvernements par rapport aux archives au Cameroun et ailleurs. Ces archives sont dans la plupart des cas dans un état lamentable. L’Etat camerounais a ratifié une loi (n° 2013/13 du 18 avril 2013) et maintenant nous voulons faire respecter cette loi nationale sur le patrimoine culturel qui doit reconnaître les archives comme un bien culturel. Nous demandons uniquement une reconnaissance. Ça serait le premier pas car le travail a déjà été fait. A partir du moment où cette reconnaissance est acquise, c’est une obligation morale de respecter la loi en protégeant les archives. Dans notre cas, après d’avoir travaillé pendant 4 ans dans l’Archive de Presse de Buea, nous jugeons que la négligence des responsables de l’archive, qui laissent mourir ce patrimoine, n’est pas admissible. Mais malheureusement, le gouvernement se désintéresse des archives qui ne sont pas une priorité. Nous sommes désolés de constater que les politiciens ne sont pas au service de l’intérêt général. Nous avons déjà eu plus de sept réunions avec le Ministre de la Communication, mais les choses avancent trop lentement, les décisions sont collapsées, c’est un peu désespérant… L’idéal serait que chaque pays africain ait un musée de la photographie relatant son histoire et préservant les archives. Nous excluons totalement l’hypothèse d’amener les archives en Europe pour les protéger. Il faut chercher des solutions, in situ, pour la conservation des archives photographiques en Afrique, extrêmement fragiles en raison des menaces de type économiques, sociales ou climatiques.

Après le Cameroun, avez-vous comme projet de réitérer la même initiative dans d’autres pays africains ?

Nous aimerions beaucoup, notamment en Afrique du Sud. Nous semons des graines ici et là, mais pour l’instant il y a encore beaucoup de choses à faire au Cameroun.

**Plus d’infos sur la Déclaration de Yaoundé

http://african-photography-initiatives.org/index.php/research/yaounde-declaration

Pour signer la déclaration, veuillez envoyer un email à yaounde.declaration@gmail.com avec pour sujet « Déclaration de Yaoundé ».

Indiquer svp votre nom et votre institution.

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L’expression telle qu’on la connaît de nos jours apparaît au tout début des années 90, à la faveur du mouvement de grève qui fait suite aux « villes mortes » que connaît le pays ; la situation socio-politique tendue oblige en effet les automobilistes, chauffeurs de taxis (véhicules jaunes) à se retirer de la circulation, par peur des représailles. A cette époque, dans les villes majeures du pays, mais surtout à Douala (cœur de la rixe sociale), le moyen de locomotion le plus adéquat est la moto. Il s’agit de très petites motos (A 50), noires, qui obligent les motocyclistes et leurs « clients » à adopter cette position presque courbée, une fois sur la moto. Une nouvelle attitude esthético sociale voit ainsi le jour.

Désormais une réalité contextuelle bien ancrée dans les mœurs camerounaises, le Bendskin (moto taxi) comme on l’appelle communément, constitue aujourd’hui une solution de subsistance pour nombreux chômeurs, jeunes et moins jeunes. Face à la recrudescence de la crise économique vers 1990, plusieurs se sont en effet trouvés obligés de s’engager dans ce moyen de transport, question de « gagner leurs vies ».

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Entre les 26 et 31 janvier eut lieu le Photo Festival « Interprétation de la photographie historique » dans 3 villes au sud-ouest et littoral du Cameroun : Limbe, Buea et Douala, en parallèle avec la conférence « Valider le patrimoine visuel en Afrique. Photographie historique et le rôle de l’archive » tenue à Buea.

Ces évènements font partie du projet « Cameroon Press Photo Archives. Protection, Conservation, Access » mené par African Photography Initiatives depuis 2013.

Le Photo Festival et la conférence s’enserrent entre la finalisation de la phase opérationnelle du projet (conservation et digitalisation) et la phase de dissémination et valorisation de cet héritage visuel. Ces plateformes ont rendu à 50 professeurs, archivistes et artistes de l’Afrique, Europe, USA et Canada l’opportunité d’avoir des discussions sur différents approches théorétiques, méthodologiques et pratiques concernant les archives photographiques en Afrique.

Une sélection finale de 11 artistes internationaux participait au Photo Festival qui offrit une fascinante diversité d’œuvres, installations, vidéos et performances.

À Limbe, l’exposition eut lieu dans la salle communale, très bien fréquentée par les citoyennes et touristes, avec deux sections : a) une reproduction de 40 photos du Cameroon Press Photo Archives (CPPA) des années 1960 et 1970 montrant lieux et personnes de Limbe et b) les œuvres réinterprétant les photos historiques de quatre artistes : Cécile Hummel, Adalberto Abbate, Hillie de Rooij et Ibrahima Thiam.

À Buea, les œuvres se partageaient entre le Pan African Institute for Development (PAID-WA), où la conférence académique eut lieu, et le CURELF (ex-Alliance Franco-Camerounaise). Au PAID étaient exposées les œuvres de Genaly Forang, Frida Robles et Erika Nimis. Au même lieu une exposition de plus de 60 images du CPPA montrant Emmanuel M. Mbwaye plutôt devant la caméra que derrière a rendu hommage à l’octogénaire et premier photographe du CPPA.

Au CURELF, les performances d’André Takou Saa, Caecilia Tripp et Pascale Obolo, les installations d’Anne Gregory et Pascale Obolo et de Luis Mena eurent lieu. Dans le hall d’entrée, l’œuvre de Thaïs Medina accueillit les visiteurs lors de trois soirées de projections des documentaires allemands (datant entre 1927 et 1939) intitulées : « Comment le Cameroun fut présenté aux allemands ».

À Douala, focalisée sur les nouvelles technologies, une formation Vjing de trois jours à la base des images du CPPA eut lieu dans l’Institut Français. Ce workshop clôturait samedi 31 janvier avec une performance des artistes et professeurs Maite Cajaraville et Gisle Frøysland.

Plus d’information sur african-photography-initiatives.org

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